高磊摄影

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高磊摄影 2003/05/19 到 2003/06/11 胡思乱想的地方，一不留神也会出来几句不胡思乱想的话.... 马革裹尸

08:12 驶往萨哈拉途中，见到这样一幅画面，立刻产生“将军战死疆场”的感慨。天高路远，黄沙漫漫，几棵孤树下，一辆Rover家族中最强悍的成员永远留在了这里。如果换成别的什么东西，在这样的环境中，不会使我产生马革裹尸的联想。四十年代的Rover是一段历史的见证，是今天全世界号称最功能强大的越野车的开山鼻祖。而不是象Wrangler祖先那样的简陋的一次性使用的战争机器。这种任劳任怨，样子显得寒酸的机器，在二次大战结束后，运送过无数装备和医疗器械到达无人区，拯救过无数急需手术的生命。在一群刻意追求空调皮椅的傻瓜面前，他的名字不会被提起，但在最恶劣的环境中，这种带着绿色标牌的伙计是人们生命的希望。 Land Rover似乎生来就属于最严酷的环境，而他确实是做得最好的。在撒哈拉沙漠中拖着长达10多公里烟尘飞跑的就是Land Rover，而陷在沙窝等待救援的是那些...... Post by GAO @ 08:12 沙漠中的孩子

07:42 这些没有读过书的孩子，一开始很难接近，他们对外人有着好奇和戒备，戒备超过好奇。如果他们发现并正式了你的友善不是廉价的笑容和糖果的话，这些孩子会很自然地把你当成另外一种依附，使你不得不产生一种模糊的责任感。沙漠中的孩子生存能力很强，对物质几乎没有要求。没有玩具的童年对他们司空见惯，他们有着与年龄不相称的成熟。“穷人的孩子早当家”这样的形容不是很贴切，可是我找不到一种表述方式来形容这些每天象小尾巴一样跟着我的孩子。我来到沙漠，要找的不就是这种务须戒备的人的关系吗？ Post by GAO @ 07:42 城市里的孩子

07:15 孩子很多，在每条小巷里。一个家庭生养4到5个孩子是平常的事。城市里的孩子一般受到教育，也比较容易与人接近，但是被拍摄时不允许的，这点与在偏远地方一样。孩子们对中国人很友好，也许见到的欧洲人太多了，一个中国人的出现会让孩子们兴奋好长一段时间。 Post by GAO @ 07:15 睡懒觉？没门儿！

06:56 每天日出前，分布在城市各个角落的塔楼（应该说是礼拜堂）的高音喇叭就突然出声，面向四面八方。这种声音要持续近10分钟。任何坚忍不拔的懒觉勇者也不可能赖床上多过5分钟。实际上，大多数人并不上礼拜堂。年轻人照样抽着烟，看着走来走去的女孩子出神，在高音喇叭的尖利喊叫声中，能分辨出他们在说脏话。到摩洛哥的前三天，我养成了军人的作息习惯。早上5：20起床，晚上7：00睡觉。等待这些塔楼出声总比被它唤醒好。 Post by GAO @ 06:56 后街

06:47 后街给人的感觉是小市民扎堆的地方。在摩洛哥中部的大城市马拉喀什有着无数条迷宫般的后街。马车，驴车，自行车，摩托车......在越走越窄的后街互相挤让着，街边一家家店铺接二连三，精明的店主眼睛电光火石般搜寻着每个过往的人。外来人不知道有多少双眼睛睁偷偷地看着你，更不知道有多少针对你的念头在生成着。在这里我无法摆脱“城市森林”的感觉。阿拉伯人是天生的商人，而阴谋家是受到尊重的。一些面目天真的孩子也许是介绍皮肉生意的老手，或者是与警察串通一气的毒贩，谁知道呢？所有旅行者手册上都会警告这一点，但看着一双双天真无邪的眼睛，我不愿意把这些孩子与小阴谋家联系起来。 Post by GAO @ 06:47 我感觉他老了

04:20 我没有恋物癖，但对一切使用很长时间的东西会渐渐产生留恋，因为他们跟我一起走过我短暂的过去。我的第二双鞋。跟着我攀爬过西藏那木措的悬崖，穿越过诺曼底海滩，攀登过阿尔贝斯山，无数次抵挡了尖刺和石块的重击。在帐篷里，我必须脱下它在外面，一天的劳累奔波后，我看着帐篷外渐渐西垂的夕阳，应该给他留个纪念。从非洲回到巴黎，忽然有一日，我发现他老了，几乎在一夜之间。 Post by GAO @ 04:20 没有回音的地方

04:12 我有点不喜欢城市了。应该说有点不习惯城市，特别是每当都干净满身尘土走进屋子的那一霎那。摩洛哥的城市，多数白墙。在刺目的光照下，白得压住了天空的亮。狭窄的街道充斥了小贩的吆喝与刺鼻的油烟味。这样的环境中你无法与自己对话，不是会有精明的商人向你证实：其实你的智商不高。常年无雨，屋顶自然建得平坦，这是块没有回音的地方。声音可以传出很远，用不回来。 Post by GAO @ 04:12 沙尘

03:55 无孔不入的风沙，那种极细极细的沙尘在空气中，看不到。闭紧嘴巴，依然能感觉到牙齿咀嚼沙砾的嘎嘎声。大人们用头巾包住口鼻，低头走路，抵挡这种每天伴随的沙尘。孩子们却是很容易受到伤害，他们的眼睛常常被沙尘感染，不住流泪。无数的恶蝇寻找着丁点水源，死缠烂打地爬满他们的眼睛，原本流泪的眼睛开始感染...... 撒哈拉缺医少药，联合国卫生组织到不了这里，这里的人也很难出去。无望的父亲只有祷告真主。我留下了所有的药品，在离开撒哈拉后的第一家药房，买药给他们寄去了。不知道要多久才能到，即使到了能维持多久。我想把真主贴满邮票，寄到撒哈拉。 Post by GAO @ 03:55 飘移之间

03:39 每天清晨，是每天清晨，即使有风暴也是如此。邻居会相互走动打招呼。远远地看到一个身影移过来，实际上每个人都知道对方是谁，也知道对方过来就是送一句：早上好，真主保佑。每天这种平常到太平常的日常活动吸引了我，看着远远的在风中飘移过来的身影，等待送到耳边的：早上好，真主保佑你。终于有一天早上，我也在风中四处飘移，远远看到人们向我挥手，孩子们会朝我大喊：早上好...... 我不需要文凭，执照，证书，推荐信......就这么飘移着进入这个社会。 Post by GAO @ 03:39 家

03:31 我没有看过三毛的书。只有一次在江苏周庄的一家三毛茶馆了解过一些三毛的故事。我不想带着一种先入为主的思路去看撒哈拉，宁可看完写完以后再来看看三毛，毕竟我还可以再去的。 Nomad人的社会就在帐篷里，这是他们的家。 Post by GAO @ 03:31 一片荫凉

03:12 沙漠中昼夜温差很大，中午可以轻易地达到摄氏50度的温度，据说在8月份更高。凌晨的时候温度可以降到摄氏0度左右。荫凉，我感觉到的是一种适合人类舒适生活的温度，大约在摄氏23度左右。一顶厚麻毡的帐篷可以在无垠的沙漠中提供一片荫凉。正午的时候，外面看不到一个生物，不知道那些骆驼躲到什么地方去了。空气在剧烈的烘烤下激烈地翻腾，从地面往上1米左右的高度范围内，都是极度扭曲的图形。这个时候，人们需要一片荫凉，风会把燥热从帐篷里赶走，留下生活在这里的人。 Post by GAO @ 03:12 Vanessa-9

08:34 拍摄数据： Hasselblad相机+80mm/2.8镜头+Kodak Tri-X 320胶片胶片速度设定200 光圈：f4 快门：1/30秒显影：D-76（1+1）时间：9分30秒温度：24摄氏度 Post by GAO @ 08:34 Vanessa-8

08:30 拍摄数据： hasselblad相机+80mm/2.8镜头+Kodak Tri-X 320胶片光圈：f5.6 快门：1/60秒显影：D76（1+1）时间：9分30秒温度：24摄氏度 Post by GAO @ 08:30 Vanessa-7

20:48 拍摄数据： Sinar F1相机+Sinar 150mm镜头+Sinar Zoom II后背按6x12幅面拍摄胶片：Kodak Technical Pan@25度光圈：f5.6 快门：1/4秒显影：Pota显影液12分30秒温度：25摄氏度

向Mafada老师汇报工作：我找了一面白色的墙，Vanessa穿着纯黑的衣服，她的皮肤颜色是淡淡的古铜色。当时是傍晚8点钟左右，天气阴。我使用Technical Pan 6415/120的胶卷。如果这种涂布很薄的胶片测试没有问题的话，4x5幅面的就比较好办。一般象这样的天气，用Technical Pan设定在25度曝光，不人为地增加曝光量，然后用Technidol在20度水温显影9分钟，会出现反差很小的现象，显影11分钟会得到反差正常的底片（其他胶片反差会比较小）。根据以前拍摄的情况来看，Technical Pan+Technidol的搭配在阴天和室内的自然光条件下反差令人满意。我使用Sodium Sulfite和Phenidone配置显影液，由于水温在25度无法降下，决定显影12分半钟。用Jobo罐，按5秒/分钟180度翻转（没有使用连续旋转）。从扫描效果看（底片效果也一样），阴影部分的细节满意，高光堆积有点过但还是可以接受。我觉得高光轻微堆积的原因是翻转过多。底片密度D=0.65，比Technidol的反差要大一些。我的感觉是Pota确实是很绵的药，但比Technidol显影的反差要大。我使用的配方是：30克Sodium Sulfite+1.5克Phenidone溶解于300毫升净水，稀释至1升，立刻使用。20摄氏度正常显影时间15分钟（漫射光，人工持续光）或13分钟（直射光，闪灯）。您可以与下面的用Technidol显影的片子比较，就容易发现两者对反差的控制还是有不同的。我认为Pota并不能替代Technidol取得pictorical的效果。不正之处，请马老师批评。谢谢高磊 Post by GAO @ 20:48 Vanessa-6

20:43 拍摄数据： Sinar F1相机+Sinar 150mm镜头+Sinar Zoom II后背在原底基础上局部扫描胶片: Kodak Technical Pan@25度光圈：f5.6 快门：1/4秒显影：Pota配方，12分30秒温度：25度 Post by GAO @ 20:43 拉德芳斯区的建筑

19:40 拍摄数据： Sinar F1相机+Sinar 150mm镜头+Sinar Zoom II后背按6x9幅面拍摄胶片：Kodak Technical Pan @25 光圈：f22 快门：1秒显影：Kodak Technidol 7分30秒温度：25摄氏度 Post by GAO @ 19:40 拉德芳斯的幕墙

19:33 拍摄数据： Sinar F1相机+Nikkor 75mm超广角镜头+Sinar Zoom II 后背胶片：Kodak Technical Pan 6415/120 @ 25 按6x12幅面拍摄光圈：f16 快门：16秒显影：Kodak Technidol 7分30秒温度：25摄氏度 Post by GAO @ 19:33 路灯下的舞步

10:49 巴黎Cite岛。夜幕降临后，人们开始聚集到这个位于塞纳河中心得小岛上，这里是巴黎市的发源地。街头艺人非常投入地演奏着一成不变的曲子，每天这个时候总会出现在Cite岛上的巴黎市民，在路灯下，和着艺人的曲子，十分投入地移动着舞步。 Post by GAO @ 10:49 街头舞者

09:08 去年法国总统大选，希拉克与勒蓬展开最后的角逐，两派支持者同时走向街头。据官方统计，当日在歌剧院广场支持勒蓬的示威者达5万人，在Republique广场支持希拉克的示威者达到百万。示威者最后在街头狂舞起来，把一场政治游戏变成了集体party。我的朋友说：法国人很难管的...... Post by GAO @ 09:08 我的朋友是鸭子？？

16:28 第一次感受到语言进步是在广州，依稀记得是90年代初的事。总听到人们把女性性工作者叫做“鸡”，我不能完全理解为什么叫做“鸡”，是的，直到今天还是不能完全理解，最终把这种现象归类为语言进步了。如果不去考研“鸡”的由来的话，就比较容易理解“鸭”了，就是男性性工作者的名讳了。我不知道国内把介乎“鸡”和“鸭”之间的X工作者冠以什么雅号，倒是在国外有“ACDC”一说。学术的解释就是交流/直流，坊间的描绘就是，就是......我是读书人，不可乱写。跑题了，各位观众。我的朋友“鸭子”的名讳与“鸡”，“鸭”和“ACDC”没有任何关系，我双手按在胸口，对着我爷爷的墓碑发誓：没有任何关系。 “鸭子”的由来是这样的。于人兄名讳Royal，如果读的时候略带口音的话，Royal的发音极像中文的“卤鸭”，对了，就是您看到的一溜油光光，香喷喷吊者脖子挂杆上的那种东西。简称“鸭子”。鸭子是互联网初期中文摄影论坛的第一任班主，无人能出其右。掰指头算算跟他认识几年了？一七得七......二七四十八.......三八妇女节......五一劳动节........六一俺爸过节......跑题！反正好多年了。鸭子很豁达，就是那种肚量很大可以任意踩捏的那种人，可是，要踩捏到他不是件容易的事。多年后才发现鸭子蹲在马桶上还在看黑格尔哲学！要找到他的软肋不是件容易的事，除非您跟他谈关于熔岩与哈根达斯的关系之类的玄学，让他保持沉默以至于睡觉，并善加利用这个机会巩固自己的尊严。嘿嘿，不过不是每次成功的。有段时间与鸭子通过MSN讨论色彩学的问题，几天后发现他提出的问题开始让我头痛了，我不得不翻看以往的笔记。有些人会不喜欢鸭子的，理由很简单，鸭子肉烂嘴不烂。要说服他除非自己在某个方面积蓄了“超杀”的能量，否则趁早歇菜。顺便要提一句：鸭子很繁忙，比如生个儿子啦，做饭啦，拍拍照啦，热心“畜牲协会”工作啦等等等等，居然还有时间在网珞游戏中升级到巫师！？在互联网摄影论坛上，鸭子现在很少露面了。估计是在把自己的资格养到木乃伊的级别之上。有的时候，会冷不丁地告诉我：你看，这个人有实力。或者：你看，这个家伙在胡扯。如果您有机会从鸭子的正上方往下看他的话，您就知道一代宗师，网络隐居的大侠不是那么容易修炼成功的，鸭子的头顶不是那么富裕了，这是代价？与鸭子的交往还在继续下去，他是一面镜子，从他那里可以知道自己的不足之处，这样的朋友不多，我管他是鸭还是鸡还是ACDC。向我爷爷的墓碑发誓：鸭子跟鸭还有一切有毛的东西没有关系...... Post by GAO @ 16:28 帐篷

03:59 中午的气温可以达到50摄氏度，夏天更高，帐篷是沙漠中唯一可以提供荫凉的地方。 Post by GAO @ 03:59 穆巴拉克

03:57 穆巴拉克是巴黎-达卡拉力赛的向导，也是出色的非洲鼓鼓手。 Post by GAO @ 03:57 Berber Whisky

03:51 伊斯兰国家禁酒。浓茶加糖是他们代替酒精的一种饮料，戏称“Berber威士忌” Post by GAO @ 03:51 Marrakesh的居民

03:49 摩洛哥中部最大的城市Marrakesh，街道上聚集着闲散的猫狗。虽然历次人口普查总是忽略他们，但，他们是这个城市的常驻居民。 Post by GAO @ 03:49 年轻的Nomads

03:42 在撒哈拉营地的Nomad少年。 Post by GAO @ 03:42 Vanessa-5

01:54 Post by GAO @ 01:54 Vanessa-4

19:04 Post by GAO @ 19:04 Vanessa-3

18:35 Post by GAO @ 18:35 Vanessa-2

17:28 黑发，黑眼睛，还有许多欧洲女孩梦想的肤色...... Post by GAO @ 17:28 Vanessa-1

09:50 有着拉丁血统的Vanessa专业是marketing，拉丁舞是她的梦想.............. Post by GAO @ 09:50 蓦然回首

16:58 有一天，在巴黎美专学习建筑设计的一位朋友李翔从外地打来电话给我：高磊，我看见你以前拍的海报在Le Havre的剧院挂着。这个电话提醒我了，那些照片是去年拍的。我一直埋头做事，一直没有刻意回头看看自己做了些什么。有次我的朋友全部出席了我的照片获奖颁奖典礼，我忘记了这回事。在接到朋友愤怒的电话后赶到现场，与不认识的人握手，最后问了一句：哪位是市长？就是那个给我颁奖的家伙？结果笑倒一片。这是我第二次图片展。第一次在什么画廊的，我实在记不住名字，回头查查。最近一段时间在网络上画的时间太多了，一些热情的朋友总让我不能割舍，直到英国皇家摄影学会来信催促我的图片时，我才回到现实世界，与此同时哈苏公司来信抱怨我的10张图片迟迟不交，估计我里砸自己饭碗的日子不远了。 Post by GAO @ 16:58 我使用的胶片

16:20 彩色胶片： fujifilm Provia FIII------在中幅以上的幅面我喜欢这种胶片，丰富的中间灰以及长时间曝光时在180秒之内不需要校正曝光系数，只需要作轻微的色彩调整。这种胶片在拍摄的时候曝光过渡一些，显影减少一些，能保留最大限度的灰度影调，对色彩影响不是很大，是后期转为黑白的首选胶片。我曾经曝光过度2级，显影减少1级半，用这样的母片做Image Transfer，效果很满意。 Fujifilm Vlevia------我会把这种胶片放在40的速度拍摄，因为它的色彩饱和度虽然很讨巧，但是色域很难预见准确，一般用在135幅面的图片上，对后期放大有优势。Velvia是很好的胶片，但是真正知道如何使用它的人并不多，至少我遇到的人中间很少有人知道如何用好这种胶片。黑白胶片： Kodak Technical Pan------这是继Agfa APX 25停产以后唯一的真正极细颗粒的胶片，Kodak公司称：放大50倍不见颗粒。我测试以后发现，放大倍数不止50倍！只要把速度设定在25以下。这是非常难用的胶片，宽容度比反转片要窄，显影液的配合也很有讲究，就连往卷轴上装片也不是件容易的事。但，这是最好的黑白胶片，无出其右。 Kodak Tri-X 320------这是我非常喜欢，也是适用最多的胶片。几乎可以胜任任何场合的拍摄。老款的胶片给予摄影师最大的控制空间，用这种胶片达到特殊效果的方法可以写一本书。我非常喜欢，也是竭力推荐给朋友使用的胶片。一次成像片： Pola Pan 55------这种4x5幅面，能生成一张正像和一张底片的一次成像片是我使用作多的。底片的质量一点不比正常银盐的4x5幅面的底片差。 PolaColor 59------这种昂贵的彩色片不能给我底片，是用来做转印的首选4x5画面的胶片。我喜欢这种胶片带来的Cyan颜色，还有不确定的转印效果。 Post by GAO @ 16:20 我使用的相机

06:37 从快速的135相机到慢慢磨蹭的技术相机，用来干不同的活儿。 135系列： Leica M6和三支常用的镜头35mm/2，24mm/2.8和90mm/2。一般用来拍摄记录类的图片，在困难的环境中使用。 Nikon F5和两只常用的镜头35-70mm/2.8和80-200mm/2.8。一般用来拍摄快速运动的题材，比如动物和体育，有的时候也用来拍摄人物。 120系列： Hasselblad 501CM和三支常用镜头50mm,80mm和150mm。一般用来记录和拍摄人像，也用在studio，但很少用来拍摄风景。 4x5系列： sinar F1和两支常用镜头75mm和150mm。一般用在studio和建筑摄影，也用来拍摄风景等。其他附件及设备：比如：nikkor 600mm/4镜头，sinar zoom II roll film back, polaroid 545 pro back, sekonic L-608 light meter, hasselblad polaroid back, tripod, flash............... Post by GAO @ 06:37 奶奶级的雪铁龙

04:15 雪铁龙2CV的车实际上比我奶奶年纪大，在今天巴黎的大街上还能经常看到这样的车大摇大摆地在宝马奔驰之间穿来穿去。看起来这是一代人对历史的眷恋，可是时下的年轻人却也乐意收藏和驾驶这样的车。在地球的另外一边，福特T型车使这种代步机器平民化，开创了一个时代，欧洲的法国也一样，除了2CV以外，还有雷诺公司的简型车。我在欧洲看到了很多具有久远历史的建筑，对历史的保护和尊重，在欧洲人的血脉中一代代传了下来。这才有今天2CV 在巴黎大街昂首阔步的基础。我们呢？5000年文明，留下了多少，失去了多少...... Post by GAO @ 04:15 吧台边的常客

04:04 我很难被什么打动，但是这篇文章是例外。很巴黎的一个画面，一位常客在吧台边等待一杯咖啡。在拉雪兹公墓找到巴黎公社墙不是件容易的事，一些响当当名字的伟人的墓碑就那样不起眼地呆在不起眼的地方。与之乡城对比的是，小狗小猫的墓志铭读来让人潸然泪下...... 我读过周浩兄的两篇报导：一个人的城市和我们的民工兄弟，这两篇力作让我这个中国人深有感触。不幸的是，这样的报导在欧洲也许不会被重视，文化差异如此巨大，不能相信。我在回复周浩兄的贴子提到了一些原因。 Post by GAO @ 04:04 红磨坊的风车一直在转

03:40 红色的风车转了一年又一年，巴黎的高雅在这架风车下再也抬不起头来。夜幕降临之际，躲在各家色情场所的皮条客纷纷出动拦截路人，寻找讹诈的机会。一些女人或者打扮得象是女人的人开始招摇，月亮，如果有月亮的话，升起来了。一切似乎合法的罪恶不紧不慢，日复一日地在这跳街的两旁开演了。巴黎人会极力回避这个地区，入夜大客车拉来了日本人，德国人还有我们的同胞们。在人们兴高采烈地涌入这架风车下面的房子的时候，街对面礼拜堂的圣母一如既往无奈地对着十字架为这些匆忙的人们祈祷。人啊。 Post by GAO @ 03:40 加排

03:28 很久以来，一直对各种咖啡，咖啡文化，咖啡情调津津有味地品玩。为了知道一种咖啡的年份或者烘培工艺，不惜打越洋电话问个究竟，直到自己认为我熟悉了这种咖啡。可是咖啡的种类太多了，以至于让人头昏脑胀。咖啡背后的故事，多得互相打架。带着这份自信和自以为对咖啡文化的了解，我满怀信心地走进Saint Honore的一家咖啡馆。进门以前，我的一位对咖啡极有研究的朋友的介绍又回到了我的耳边：这家店与咖啡有着同样长的历史。这句话就够了，这家店是考验我到底是否知道咖啡俩字是如何写的好地方了。我要了一杯蓝山，2.20欧元，合人民币20元左右，比起全巴黎最贵的路段香榭丽舍大街的同类咖啡来说，这个价格让我感觉到象是偷了样好东西而没被发现那么兴奋。 “您需要过滤，虹吸还是蒸汽的？”男同性恋伺应轻盈地用软软的英语问到。 “蒸汽的，红糖，谢谢”这点难不倒我，嘿嘿。 “几号粉碎？”伺应熟练地问下个问题。 “4号。”不假思考地回答。 “黑巧克力还是稣饼？” “稣饼。”这个问题有点意外，但我相信自己没有露出破绽。等待咖啡的时候，看了看这家很小但巴黎唯一的一家咖啡老店。除了用麻袋包着的咖啡豆以外，店里还有一些自制的甜点。每张小小桌上几乎斗放着一张纸卡----已预订。咖啡香味飘来了，我的蓝山，没有加引子的蓝山。第一口没有糖，让焦酸的味道留在舌根。然后喝了口常温的清水，焦酸味变成了醇味，一种类似久远橡木桶悠远的浓香。我的舌头得到了足够的信号，这是一杯中度烘培的蓝山，似乎是雨季前采摘的？ “请把红糖换成半纯的好吗？” 伺应生很高兴地换了红糖：“您可以预先通知我们如何调配您的咖啡，下次我们就知道了。” “谢谢。”我不无得意。巴黎咖啡文化不过如此嘛。喝完最后一滴咖啡我起身来到柜台，准备买一些带回去。 “我想要250克蓝山，谢谢。” 柜台后面是个象小鸟的女孩,笑眯眯地说：“好的先生，什么季节？什么高度？” 有点麻烦，但我还是很沉着：“雨前，峰顶。” “WOW！”小女孩眼睛瞪大了显得很漂亮：“几号粉碎？什么引子？多少百分比？” 我有点招架不住了，集中生智：“跟我刚才喝的一样，我觉得那样的可以接受。”我对自己的回答还是比较满意的，可是！ “噢，先生，那是普通蓝山，不适合您刚才挑选的峰顶，您喜欢什么口味？” 我知道我们在谈论蓝山，问到我喜欢什么口味，我是无法回答比如咖啡口味或者蓝山口味的，这下要麻烦：“不需要太酸，或者太焦，中度烘培，慢火的就可以了。”我有点后悔为什么要买一包咖啡回去？小女孩有点茫然：“这个，这个，无论如何总要告诉我您喜欢什么配方的吧，这个...这个...” 唯一保住面子的办法就是装作语言不灵了：“我不知道如何表达这种配方，对不起，我找不到这个词汇......”背上感觉凉凉的。 “那我就按我喜欢的配方做了好吗？减30%酸，中度慢火，4号粉碎。先生，请不要用虹吸或过滤的方法煮。” 我连连点头：“是是是是。”眼前没有冒出金星，倒是出现“农民”俩字在飞舞...... 飞也似地逃出咖啡馆，我发誓以后再也不敢在别人面前谈论咖啡了，从现在开始，我把咖啡叫做加排。花园的咖啡论调 Post by GAO @ 03:28 后街的沙滩

07:49 狭窄的后街总能看到一些半死不活的小店在那里苦撑着。法国人不会那么主动地沿街叫卖，既使在集市日子里，也是等人员者上钩。这家名叫“沙滩”的破败小店，可以猜测到主人每天坐在店里，心里在想着什么。为了向往来的人强调店主的爱好，或者怕往来的人弱智，干脆画上俩美女以示目的明确 Post by GAO @ 07:49 法国人愤怒了

07:24 法国人总是跟美国人唱反调，还有些看不起美国人。这种习惯由来已久。如果跟某个法国人吹嘘美国什么什么的话，换来的十有八九一个字----切！据说因为法国人反对伊拉克战争。老美这次不邀请法国人参加工业展览。一怒之下，法国人出了一招，让美国人很下不了台。香榭丽舍大街一向人潮滚滚，拥挤不堪。最近一溜几十辆火车头和车厢沿着香榭丽舍大街排成纵队，铁轨铺到了这条大街的人行道上。任何人可以免费参观。很滑稽，每个车头边上的说明用英法两种文字详细注列，这不是打老美的耳光是什么？火车是老美的弱项，而这辆1825年就在里昂服役，以每小时7.2公里的速度大摇大摆闯荡法兰西的车头，似乎告诉老美：伙计，那时候你在哪凉快着哪？从这辆车头开始到现在已经投入使用的TGV高速列车，法国将近200年的铁路发展史，就这样摊开在这条世界瞩目的马路上，我想美国人掰着指头算算自己的历史会感到脸红的。 Post by GAO @ 07:24 酒吧里的眼睛

06:59 按我老爸的说法，这种样子就叫发憨；按现行流行说法就是发呆；按巴黎人的说法就是寻找灵感。当年毕加索们就是在蒙玛特高地的这样的小酒馆每天寻找灵感直至深夜。我问过这些锲而不舍地寻找灵感的人：“灵感在哪里？”他们相信灵感来自下一个推门而入的人带来的一种感觉。谁知道呢，或许若干年后，这些人中间不留神走出几个毕加索来。巴黎生活与酒吧分割不开，酒吧与灵感分割不开，灵感与下一个推门进来的人分割不开，下一个推门进来的人带来了什么呢？不知道。 Post by GAO @ 06:59 女人，永不厌倦的话题

05:34 欧洲文化把女人的身体作为圣洁，美丽，好运等等等等的象征符号。从古希腊的雕塑沿用到今天，这个古老的兴趣一代代传了下来。到今天，觉得总有点变味到。我的一个对男人感兴趣的男性朋友说：“女人，永不厌倦的话题，”后半句就有点那个了“#￥%*！・￥。” 巴黎街头这种比人的正常尺寸大出好几倍的女人像实在太多了，真不知道一个男人每天走在这样的巨幅下面是什么感觉。怪不得那个男性朋友有此番感慨和脏话 Post by GAO @ 05:34 吓不着你不罢休

05:12 品位，这个词在巴黎市民每天言谈中出现的频率之高几乎到了滥用的程度。吃饭要吃出品味来，喝酒要喝出品味来，穿衣，泡妞，开车就连上厕所也恨不得要拉出品味来于是就有一批专门制造品位的有品位的人，这些人集中在最有品位的街巷，捣鼓出让全世界瞠目结舌的玩意儿，于是追星的，大腕的一拥而上，世界就这样有了品位. 终于有一天，灵感忘记在厕所没有带身边，可是品位需要翻新，需要不断地出奇制胜。炒冷饭谁也不会答应的，这些制造品位的有品位的人坐在马桶上也不得片刻安宁。既然逼我如是，吓你一下也不为过吧。于是就有了挂在街头的Cartier招贴了 Post by GAO @ 05:12 等不完的红绿灯

04:27 不管你是开车，骑车，推车，坐车还是走路。永远是没完没了地红绿灯在前面恭候你。不知道你注意没有，好像总是红灯多，绿灯少。在巴黎大街上如果闯红灯会怎样呢？......不知道，因为我没有试过 Post by GAO @ 04:27 男人的阶段

04:05 在Austerlitz车站的站台上，与巴黎其他地铁站台一样，铺天盖地的巨幅广告永远占据你的视线。看那意思，男人在这个年纪不需要辛苦工作了，每天坐在家里听听音乐就可以了。广告害人，多少男人为了实现广告中的理想生活状态，累得肾亏 Post by GAO @ 04:05 女人的阶段

03:34 天快要下雨了，走在黄昏的香榭丽舍大街上，人潮还是那么汹涌。这条世界著名的大街除了面子，还是面子。满大街的橱窗是给人看的，给女人看的。巴黎人不会在这里买东西，外地游客支撑着这里昂贵的房租。抱着娃娃的女人一样性感，这个阶段的女人要供奉到橱窗里的，这也算是巴黎的哲学。 Post by GAO @ 03:34 男人每天干什么？

14:52 我这么问萨依德。他回答：躺着。除了躺着还干什么？我追着问。他回答：翻个身，继续躺着。说完走出帐篷神了个懒腰。 Post by GAO @ 14:52 稀里糊涂写的东西

14:45 不是猛龙不过江 ――写在2002年德国科隆PHOTOKINA器材大展之际钉钉问号 Lei GAO/文叶强/图秋日的骄阳透过玻璃硬硬地照在身上，晒得人都懒懒的、暖暖的、热热的，心底里莫名其妙地有一种“燥”的情绪升起来。经济的疲软，使得各大厂商为了繁荣市场，恢复往日商机，不停地推出新产品，更多地在不停地翻新各种老产品。从八九月来看，整个数码相机市场表现是有一点点燥动。让我们从头说起。整个八月数码厂商出奇的寂静，基本没有什么新品出现，大家好像憋着劲儿等什么似的。不过俗话说得好：九月融金。一入九月，各大厂商频频出手，数码新品层出不穷，让人眼花缭乱。不为别的，只因谁都不想错过这个最重要的商机，两年一度的德国科隆摄影器材大展――9月25开幕的PHOTOKINA。从展馆外各厂商的宣传招贴，让人感觉到这次盛会将成为数码大战的格斗场。展览共设12个主馆，分民用数码产品，高端数码系统，数码影视和摄影作品展示四个专题。主要参展商们除了展示他们最新的产品，还在现场由专业摄影师联合技术人员向参观者推销从影像成像到输出的全新流程。进入展览会场的第一秒钟起，参观者就被淹没在数码的海洋中。特别是在经济不景气的今天，大显身手，吸引眼球成为商家亮相的必备手段。于是，许多重量级的猛机、新机在科隆展上大放异彩。猛料频频的奥林巴斯八九月份最大亮点就是奥林巴斯。从以往的奥林巴斯来看，在相机方面，只因其在数码相机的设计与新品开发投入早，产品更新快，在数码相机市场占有不小的份额。不过，它没有掌握核心技术，科技含量有限，充其量只是一个民用型制造商。实在想不到，二个月内，奥林巴斯先后与行业巨头富士、柯达制定出两项行业标准：一项小型存储卡标准，一项数码单反相机标准。真是让人不可小视。八月初，奥林巴斯与富士共同打造了新型数码相机存储卡xD，此卡在目前存储卡中体积最小、读写速度最快、能耗最低、容量最大，最大可达8G，体积为长20×宽25×厚1.7毫米，只有拇指甲大小。据悉，年内推出16MB、32MB、64MB和128MB四种，512MB与1－8G将于明年投入生产。为了推广此卡，富士推出了4款使用此卡的数码相机，奥林巴斯更推出了两款使用此卡的500万像素数码相机，C－5050ZOOM和小型的CAMEDIA C－50。在PHOTOKINA上，奥林巴斯又展示了两款使用xD卡只有194克小型的400万和500万相机X1、X2。看来，xD被富士与奥林巴斯如此不遗余力的推广，相信不久会成为小型数码相机存储卡的新标准。 9月底，PHOTOKINA前，奥林巴斯联合柯达再爆猛料，正式发出数码单反相机标准，即The Four Thirds system（4/3系统）――注1，并展示了无任何标识的样机，该机的标准基础部件为柯达 KAF－5101CE 4/3英寸 5.1mp像素的CCD。据传该标准已得到富士、索尼认同，马上会有4/3大小的CCD推出。老公司旧瓶新酒老牌的感光材料生产商依尔福(ILFORD)的展台上已经看不见根植于我们记忆中的黑白感光材料了，代之以新研制的喷墨打印纸。依尔福与爱普生(EPSON)合作，改变了人们以往对家庭喷墨打印输出的“嚼之无味，弃之可惜”感。依尔福为各类打印纸用条形码的形式嵌入了相对应的ICC PROFILE，并为爱普生的多款打印机编写了相关软件，使图像在纸上输出和与屏幕显示的颜色完全同步。用爱普生 STYLUS PHOTO 7600型号以上的喷墨打印机，在依尔福的FINE ART纸上作输出，完全达到专业摄影师对图像品质的苛刻要求。同样的情况发生在爱克发和FORTE等生产厂家，他们也拿出了自己的喷墨打印纸取代了以往的各类相纸。数码机背三国演义高端数码系统是由仙娜(SINAR), 利图(LEAF), 飞思(PHASE) ONE和新崛起的EYELIKE四家公司的数码机背开始的。出尽风头的仙娜 54H数码机背采用面积为49mm×36.7mm的CCD感应器，提供2200万像素的图像尺寸(5440×4080像素)，与其他厂商的数码机背一样，可以在除大幅相机以外的几乎所有中幅相机上使用。如果选用合适的附件，还可以使用135相机镜头并安装在特制的旁轴取景“机身”上使用，可以拍摄比以前最高端数码单反更高像素的图像。如果数码机背与中大幅机身的结合提供了高端数码系统的开端，相对应的影棚环境光，电脑显示、与纸上输出组成了整个结构链，那么如何建立从数码相机到影棚环境光，到电脑，再到输出机的色彩管理标准，就成了一个非常值得关注的问题。幸好已经有不少厂商在解决这个问题，比如瑞士GretagMacbeth公司的一眼通（Eye－One），就可以通过标准色卡，使用ProfileMaker Pro软件，轻易地建立整个流程的色彩同步。从这次展览的情况看：摄影器材厂家已经完成了产品结构和工艺结构“数码化调整”的产业布局，把全新的摄影流程一股脑推到了摄影师的面前，虽然厂家之间还没有形成统一的工业标准，但相信这种工业标准的制定会比人们想像得来的快。单反数码硝烟再起千万像素级的单反中最大亮点是电子胶卷起死回生。SiliconFilm于PHOTOKINA前发布了令人惊讶的新闻，原本外界认为已经宣告结束的 (e)film 产品，将在展会上展示最新的1000万像素的EFS－10电子胶卷――注2，该“胶卷”使用大型的 CMOS 感光元件 ( 32× 22mm )，可以安装于大部份的传统单反相机，记录成像高达 3875×2625像素。早在1999年SiliconFilm公司就放出消息，将开发能使用在现有单反相机的电子胶卷，也叫数字底片，但直到2000年底，才推出130万像素CMOS的EFS－1，并公布可使用在Canon EOS 1N、EOS 5, Nikon F5、F90及F3等相机上，之后再无消息。事隔两年，终于挟重器卷土重来。随便提一句，该公司还有一款400万像素的EFS－4。目前，大家关注的仍是该产品的成像品质及价格问题，由于前一段数码单反机的大幅跌价，预计EFS系列仍将有一番苦战！在科隆展即将举行的前一天，即9月24日，佳能公司终于公布了早在民间传得沸沸扬扬的千万像素顶级机EOS 1DS――注3，该机配置的是24×36mm的CMOS感光元件，像素达到了1100万，佳能称“EOS－1DS的诞生拓展了佳能旗舰机专业数码领域的市场”。谁也没有想到，这台相机一登场，就遇到强劲的对手。同一天，在没有任何征兆的情况下，柯达公司也推出了一款最高像素达到1400万的柯达DCS PRO 14n――注4，这款最新一代的DCS PRO数码相机仍然使用尼康机身，感光元件与以往的DCS PRO不同――改CCD为COMS，面积也是24×36mm。作为1000万像素级的DC，年初，适马公司采用Foveon X3技术推出了SN－9，近日，适马香港网站上发出公告：“SD9将延期推出，由本年八月顺延至十月中至下旬,务求精益求精 !!!”，真是“只闻楼梯响，不见人下来”。Foveon X3使用三层感测技术，同样是COMS元件。不难发现，千万像素级的单反全部使用了COMS感光元件，也许预示着未来高像素DC将是COMS而不是CCD的天下。而且COMS的尺寸全部使用了35mm 银盐底片一样大小。全尺寸感应器的优势不仅仅是超高分辨率，而且在于使用镜头将不再需要通过乘以系数改变镜头的实际焦距，广角镜头就是镜头本身标称的焦距。而由The Four Thirds system（4/3系统）则成为轻巧化的另一势力，不过从目前的样机来看，还是显得有些笨重。整体而言，数码单反市场山头林立，不同的追求，多样的设计理念使得产品更多样化！ 500万像素势头生猛不可换镜头的500万像素准专业数码相机发展势头更是生猛：美能达在Dimage 7i基础上，通过改良外观、提高操作的方便性及加强图像处理方面而推出了Dimage 7Hi。同样，索尼也推出了F707的加强版F717；除了上面提及的C5050ZOOM外，奥林巴斯还推出了C40的升级版C50，柯尼卡也推出首台500万像素QV5700；而且500万像素也向小型化发展，科隆前夕，9月23日，柯尼卡推出了自己的第一台名片大小500万像素数码相机Revio KD－500Z，重量只有198克，为当时最轻的500万像素相机，第二天，奥林巴斯就推出的X2，重量只有194克，刷新了纪录，第三天，京瓷公司也推出首台500万像素级的数码相机京瓷Finecam S5 / 康太克斯TVS digital――注5，只有165克。足见各大厂商所见略同。如果再加上先前推出的尼康coolpix5700、coolpix5000以及美能达Dimage 7，500万像素级数码相机的阵容稍逊400万、300万像素级的，但超越它们，成为产品线上的主流估计只是时间问题了。风风火火的佳能这两个月对佳能来讲，真是风风火火。先是9月10日在北京国贸搞了一个“佳能2002企业博览会”，而且由全球总裁兼CEO御手洗富士夫和中国公司总裁兼CEO足达洋六亲自挂帅，足见其在中国市场的受益程度，其抢占中国市场的迅猛劲头可见一斑。 9月中旬，佳能又来了一个新瓶装旧酒大行动。宣布推出了powershot G3、IXUS V3和powershot S40的代替品S45，其实明眼人一看就知道，G3并不是G2的后继机，V3也不是V2的后继机，不难发现佳能的三部新机只有几项共通的改良，因为佳能同时为它们注入了两项全新技术，分别为 DIGIC (Digital Imaging Intergrated Circuit) 影像处理器及 iSAPS (intelligent Scene Analysis based on Photographic Space) 影像分析技术。除此之外，G3与G2基本上没有什么本质的区别。这也是佳能宣称“Powershot G2 和G3 将组成G系列相机更完整的产品线向民用高端数码相机市场发起冲击”的理由。不知这是不是佳能策略，打死也不做500万像素相机。三款相机一公布，就让佳能的FANS们大为失望，更让期望佳能500像素的FANS们怨声载道一番。不过传说中的千万像素级的EOS顶级机着实让FANS们激动不已。FANS们对这台机子说得烂熟，如取名为EOS D120、双CMOS 设计、利用 CMOS 插值等等，在欧洲某网站上居然图文并茂地介绍了一翻。不过佳能总算没有让FANS失望，EOS1DS在PHOTOKINA上隆重登场。异彩纷呈众厂家在近期推出的众多DC中有几款另类：米诺克斯为袖珍徕卡M3的装了一颗“数码芯”，这款130万像素相机的推出，意味着“一直生产世界经典机型微缩版相机的米诺克斯公司也终于踏进数码相机的设计生产领域”。三洋电机的MZ－D3虽然只有195万像素，却被称为“与数码摄像机媲美的”DC，可见其摄像功能如何强大（详见第38期本版）。奥林巴斯公司的C－730 Ultra Zoom数码相机。被称为“是目前世界上第一台同时拥有320万像素CCD感应器以及10倍光学变焦镜头的数码相机，其变焦范围相当于35mm传统相机镜头的38mm－380mm。另一款变焦王则属于松下Lumix DMC－FZ1――注6，其变焦范围相当于35mm相机的35－420mm，虽然它只有210万像素，却使用了徕卡Leica AG第二代的 DC VARIO－ELMARIT 镜片，全焦段恒定光圈达到F/2.8。索尼公司推出了DSC－U10的升级版本――DSC－U20，该机拥有200万像素，却只有80克重。美能达公司也升级了DiMAGE X，推出DiMAGE Xi，该机拥有300万像素三倍光学变焦镜头，与DiMAGE X一模一样，只有130克重。东芝也添补了有“香水瓶”之称的时尚机sora T30，该机拥有200万像素2倍光学变焦，重170克。 “召回制”大行其道在各厂家拼命推出新产品的同时，也出现了不和谐的插曲。“召回制”在影像行业里也大行其道：尼康因电池缺陷而召回9万部coolpix2000；美能达公司因“相机主开关存在潜在缺陷”，决定召回部分DiMAGE 7i；柯达公司因“在生产制造上存在的缺陷，直接导致了用户在使用该相机时会出现漏电现象”，在全球范围内召回7.5万部DC5000型数码相机。召回制度对企业的长远发展、树立良好的品牌形象非常有利。作为一种国际通行的制度，召回制在世界很多国家被写入了法律，我国也将出台“召回制度”，所以，我们对此不必大惊小怪，应该心安理得享受这一权利，因为这是厂家应尽的义务。九月份可说数码相机的丰收时节，少说也有20余款在PHOTOKINA上首次亮相。之后估计会跌入一个低潮，所以我们不必着急，在今后的两三个月内再慢慢品味它们吧。原载于2002年10月3日《人民摄影》报数字先锋版 Post by GAO @ 14:45 塞纳河，浪漫的河？

14:38 塞纳河，浪漫的河？高磊记不清是哪一年的国庆大典，当时的法国总统把一枚勋章挂到一位德国老人的胸前。这位老人曾是德军占领巴黎期间的城防司令。希特勒下令炸毁巴黎，就是这位老人想了种种办法，让人们在今天走在塞纳河边上能看到现在的巴黎。一位在巴黎生活了70多年的法国老人对我说：巴黎没有什么变化，为什么要改变她？两年来，我无数次在这条河的两岸徘徊，一直在思索一个简单的问题：什么是浪漫？这条河，这条河演绎的故事，即使在人性，尊严和生命受到无情毁灭的岁月，仍然牵动着人内心深处的情感，无论你是征服者还是被征服着。这是一条人性的河。但我还是不能清晰地知道：什么是浪漫？在塞纳河的豪华游轮上，一位带着德克萨斯口音的美国游客带着讥讽的语气，指着桥上的自由女神像说：这么小？简直是我们的女神像的缩水版。船略拐弯，埃菲尔铁塔进入视线，这位美国人开始感叹其宏大。同船的法国导游在这个时候凑近哪位美国人，轻声地说：先生，纽约的那尊自由女神像是刚才您看到的小雕像的翻版，是我们送给你们的礼物。自此，美国人再也没有出声。全世界的人都会说法国人傲慢，特别是巴黎人更傲慢。而这种傲慢是在恰当的时间，恰当的场合用恰当的方式表露出来，就显得更加傲慢了。老实说，法国人有资格傲慢，这不仅是由于长期的历史文化积淀而使他们具有傲慢的本钱，而且由于可用来炫耀的东西太多了以至于不再想炫耀。在上海茂名路一家法国人开的餐厅，老板与我聊起冰琪淋，我在提起自己最喜欢的“夏威夷果仁”的“哈根达斯”时，他立刻打断我的话：哈格达斯是美国人为了给自己的工业品加注一点文化气息而起的欧洲名字，这种工业化产品根本不能体现“味觉爆炸”的食品文化，你应该到西岱（cite）岛上去尝尝真正的冰淇淋。我很讨厌法国人为了宣扬自己的东西而动辄上升到哲学高度的态度，直到去年冬天，我来到西岱岛，这个在塞纳河中心的小岛在若干年前还是个小渔村，城市就是以这个小渔村为中心，一点点地建设起来，法国人从各地逐渐汇聚到这里，演自己的戏，想自己的事，渐渐形成一种特殊的风格，直到有一天，人们把这个城市叫巴黎，把生活在这个城市的人叫巴黎人。我在大雪中排队等候品尝这种冰淇淋，轮到我的时候，我用几乎冻僵的手接过这个“味觉爆炸”的东西，三分钟后，我开始改变对法国人捍卫自己文化的态度的看法。冰淇淋店的老板娘告诉我：我们没有分店，也不打算有分店，这种口味不能变味。我似乎开始明白，浪漫是一种独立个性，或者说是一种自我。走在塞纳河畔的人，多数是来自世界各地寻梦者，他们不知道这条河的两岸就是一个狭长的舞台，而真正的巴黎人除了在早上带着爱犬沿河溜达以外，多数是在飞驰而过的车里，如果稍加留意，两岸数不胜数的咖啡馆里，透过落地长窗，有很多双眼睛长久而出神地看着这条河。一座叫“新桥”的桥，多年前带给人们一个凄婉感人的爱情故事，今天的年轻人或是上了年纪的人还是记着这个子无虚有的故事的每个情节，他们坚定地相信，这样的故事只能发生在巴黎，发生在塞纳河的一座桥上，即使这个故事是由一双长窗后面的眼睛杜撰的，但是巴黎人相信，这是真的。也许几十年后，有人会写一本书，或者拍摄一部电影讲一段故事，感动一代人，而你就是这个故事的起因，因为有一天你走在塞纳河畔，一双长窗后面的眼睛看到了你。浪漫也许来自每个人的一点不经意，一个瞬间，但永恒地打动了许多人。巴黎的艺术家在巴黎的氛围里，非常擅长象厨师一样把故事的口味推向极致。塞纳河很安静地流淌着，几乎听不到流水声。坐在河边，一只野鸭妈妈带着它毛绒绒的孩子慢慢向你靠过来，与你一样等待每天都不一样的落日阳光，看着两岸华灯渐渐点亮，这条河正在变换着面孔，一切永远都是那么安静，安静到使人几乎忘记被砍头的国王和曾经坐在河边响当当的名字。虽然现代科技文明与传统历史文化都在这条河的两岸交互排列展示着，居然没有不和谐的感觉，就象塞纳河对待人类与其他生物一样，生命是平等的。从两岸发散的难以计数的小巷中，包蕴了无数不同的主义和无尽的才华，每天都有新的浪漫在这条河的边上留下印迹。 Post by GAO @ 14:38 我的朋友与我的Land Rover

05:46 在我进入撒哈拉之前，我的朋友们来给我送行。非洲鼓----“用身体撞击出来的音乐”是跨越语言交流的平台. 拍摄数据： sinar+nikkor75mm+Polaroid 545 pro back+Polapan 55 Post by GAO @ 05:46 哈苏的困惑前因

05:36 这九张图片在同一个胶卷。除了第1，2两张是2月初我在卢瓦河边的Blois拍摄的，当天赶到Blois的时候突然下起了大雨，我坐在驾驶座上按了两次快门。后面的10张是2月13日在我住处超市的停车场拍摄的，约20分钟按了10次快门，结束了第137个120的Tri-x胶卷，以后会有相当一段时间不会再用这种胶片了。使用的是哈苏501CM相机，一支80毫米/2.8标准镜头，世光608侧光表，手持拍摄。这么做的起因是关于透视的讨论以及向油肉丝请教prism的使用问题，同时也是向contaxxx学习的一个过程。困惑是多方面的，从光轴与入射光角度关系，景深，焦外成像，透视，视角，到焦平面位置等。哈苏相机在户外使用的时候，我发现了一些问题，这些使我困惑的问题在使用大幅相机拍摄的时候凸现出来了。但不管怎么说，哈苏相机本身是个好相机，6x6的幅面虽然有局限但“很多时候是画面的一个组成”，我非常同意这个观点。上面都是用80毫米在说事。 Post by GAO @ 05:36 哈苏的困惑（1）

05:28 1）这张照片是单点透视。也就决定了画面只能有一个兴趣点。拍摄前我在想：难道就是拍摄方向盘？如果等到一个打伞的人走到透视汇聚点上会如何呢？于是我调整了角度，把车的A柱，方向盘和顶棚作乐画框，开始等待兴趣点的出现。这时产生一个新的问题：焦点应该落在哪里？如果落在人的身上，前景会出现大面积的黑，而清晰位置在画面比例太小了，如果反过来，人们会不会以为我就是在拍摄方向盘呢？人的视觉导向是焦点第一还是透视第一，这是困惑我的一个视觉导向问题，如果是多点透视的画面，我会毫不犹豫地将焦点落到兴趣点上。 Post by GAO @ 05:28 哈苏的困惑（2）

05:27 （2）这是一张思考对焦平面和焦外成像关系的照片。120或者135相机的弱点是对焦。如果具有对焦是“平移一个面”的概念的话，就容易理解困惑的原因了。时常的风景照片，胶片平面与地面有很大的夹角，即使关闭光圈到最小也不能保证全景的清晰，那为什么要强求全景清晰呢？如果能控制对焦平面前1/3景深范围与对焦平面后2/3景深范围的话，焦外成像就变成一个可以在拍摄前就控制的因素了，可惜的是，镜头的标尺不总是准确的，而且，这个焦外的柔化面和柔化范围与对焦平面是平行的，这点非常要命。我找到了一个与地面相对比较垂直的物体----挡风玻璃，这样我可以相对容易地按镜头标记控制前后景深，达到预见焦外成像的目的。按这次快门的时候，我想的是这些，请不要把它当成是技术问题，有的时候我必须考虑这些，比如这张照片就需要考虑用2.8光圈来柔化前后景，才能出现想要的氛围。 Post by GAO @ 05:27 哈苏的困惑（3）

05:25 （3）这张照片出于对视点高度的思考。我注意观察了contaxxx的宠物系列，腰平低视点对这类矮小物体的摄取非常有用，但是也带来很多不方便的地方，比如连续拍摄动态的人物，经常手忙脚乱。为此，我想油肉丝请教Prism的使用问题。两者有不同的地方，腰平在低和超高（比如头顶）取景有可取之处，同时在相同光圈下能加大景深，这是在拍摄这张照片和在拍摄空旷的停车场的时候意识到的。 Post by GAO @ 05:25 哈苏的困惑（4）

05:24 （4）在用方构图拍摄同样的连续的方形结构的时候，会不会产生局促感？如何克服这种可能的局促感是拍摄这张照片前的思考。是采用阴影，透视过程中的重复？最后我的感觉是后者，把实现垂直贯通画面或许是破解这种局促的方法之一。 Post by GAO @ 05:24 哈苏的困惑（5）

05:20 （5）对于简单的几何图形在画面中的摆放或者排列，到底需要留空多少，留在哪里？如何在产生稳定的前提下，让画面动起来？绘画很容易解决这个问题，摄影会受到条件的限制，特别是户外摄影。这张照片我等了5分钟，等到云出现在应该的位置上，现在我还是没有把握，这样处理是否合理。对于摄影是减法的说法来说，这样的局面经常会遇到，不得不思考一番。 Post by GAO @ 05:20 哈苏的困惑（6）

05:19 （6）对于空旷，无主体，有光无影的时候来说（虽然这种场合不多，但无可避免），能使用的构图技巧受到很大限制，除了大景深，质感以外在按快门的时候没有多少选择余地了。质感很容易找到光的入射角度，即使是慢射的状况下，但是对于固定镜头与胶片平面的相机来说，景深就比较麻烦。我尝试了举过头顶，使胶片平面倾斜一个角度。这个位置拍摄了2张，同样16的光圈，这张“超高”视点的景深明显大于腰平。或许这是个解决这类相机无法使用scheimpflug定理对焦的一个方法？ Post by GAO @ 05:19 哈苏的困惑（7）

05:18 （7）接着上一张。增加一个兴趣点，会不会使问题显得容易解决点？但出现的问题是，兴趣点完全破坏了拍摄前的想法，得到的是一个原本是个附加因素的符号变成了主体的图片。虽然有时候会歪打正着，但毕竟不是拍摄前的想象，看来这不是个解决问题的好办法。这点如果推导到纪录摄影的范围的话，实际意义或许更大。 Post by GAO @ 05:18 哈苏的困惑（8）

05:16 （8）拍摄这张照片的时候，相机几乎挨到地面。腰平的特性立刻显示出来，但人们在观看这类视角的图片的时候，总期待一个宽广无垠的背景----比如天空，6x6幅面使这种可能性减少到最小（特别是还买不起广角镜头的时候）。我尝试了增加与主体的距离来增加背景在画面中占的比例，可是随着距离的增加，超低视角的这种特性也逐渐丧失了。这不是个好办法。或许可以寻找一个带有方向性线条的背景，利用透视来增加空旷感？ Post by GAO @ 05:16 哈苏的困惑（9）

05:14 （9）利用反射产生对立透视的方法似乎不是哈苏的强项。但多少把画面距离纵向地拉开了。困惑的问题是景深，景深，还是景深。也许不要让透视的中轴线与镜头光轴平行能改善这个景深难题，这是我这个胶卷中的最后一张，我想也许可能吧，但中轴线与光轴间的夹角要扩大到多少才能不至于产生二维图像的感觉呢？ Post by GAO @ 05:14 骆驼

00:34 我很少拍风光片，既然拍了，就想拍出点不一样的来，拍出点自己当时的感觉来...... Post by GAO @ 00:34 天真蓝啊，那云

15:34 在撒哈拉旅行的时候，忍不住拍下艳俗的风光片。 Post by GAO @ 15:34 给疯狂追求画面质量者的药方

15:28 如果您问过自己1000次：“我非要用大幅吗？“答案还是坚定说：“死也要用！” 接着您需要开始着手准备下面的步骤了： 1。至少把从高中到大二的数学书本拿来认真看一遍。熟练掌握解析几何的立体几何的相关章节。这样做的目的是为了开始接触并理解Scheimpflug的原理，因为大幅是可以调节透视的相机，与135，120完全不是一个系统。 2。通读一本光学的基础读物。理解光的形成，光谱分布状况，和光线透过镜片后所发生的变化。这样做的目的是为今后的曝光方式，滤镜选择打基础。摆脱总拘泥于什么镜头好这样的问题，这种拘泥是毫无意义的。 3。精读亚当斯区域曝光法，读一本中级的摄影化学类书籍。这样做事为了完全掌握分区曝光理论并在准确曝光后能够采用准确地方式来显影。 4。至少要与建筑设计，广告策划，造型师，出版商等相关人士深谈一次，他们会告诉你很多你根本无法想象到的有趣的注意事项。 5。有空的话，需要读一本关于速算的书。在实际操作的时候一定能用上。 6。收集今后使用的胶片的工厂说明书，并保持随时升级。4x5相片的涂层与135和120不同，显影的时间和方式完全不同，需要事先心中有谱。 7。至少从头到尾看一次别人怎么拍，还有自己亲自动手从头到尾拍一次。看看结果如何。如果有错误发生，重复上述6个步骤中的相关部分。这个时候，再问自己：“我真的打死也要上4x5吗？”回答如果是：“死也要上！！” 接着您需要了解下面的一些事情： 1。收集天气状况的史料，学会看懂卫星云图和基本的预测天气能力。在野外非常实用。 2。明白大幅成像的质量不在于镜头，135的镜头解像度远远超过大幅。您不会鄙视二手镜头了。 3。意识到大幅镜头的影像圈大小和快门速度的准确性才是最重要的。 4。意识到景深是靠准确选择对焦平面来获得的，这个时候保持了足够的大光圈。 5。意识到只有为了在过分移轴的状况下避免暗角才收小光圈的原因是为了画质。 6。意识到为了获得满速快门应该采用密度镜而不是用最小广圈。 7。意识到可以用标准镜拍出超广角的效果，反过来也一样。只关心镜头视角。在完全了解了上述状况后，再问自己一声：“我为什么要用大幅？”如果理由非常理智而充分的话。您要做的是：用最最简单的二手相机，不为任何附件所动，至少坚持一年。因为大幅相机开始投资小，后面非常大。举个例子：仙娜套机F1+150mm+延长单轨+基座<=7000人民币仙娜可调片幅后背>=20000人民币愿您理智地完好。谢谢背心 Post by GAO @ 15:28 小心翼翼说说布勒松

14:33 小心翼翼地说说布勒松-----很片面地说在法国，特别是近期，质疑布勒松的人似乎越来越多了。在一片质疑声中，没有人对他的照片提出指责，那些照片是一个时期的产物，需要放到当时的社会环境中加以评价，人们是对他的摄影语法提出质疑。 “决定性瞬间”的理论是布勒松通过长期实践总结出来的一条摄影语法，通过预见事件发生过程中的莫个时间空间的集合点并把它记录下来，用来反映事件发生的前因后果。这个语法在二次大战后欧洲人文纪录（Photo Documentary）鼎盛时期是具有指导意义的，被公认为是摄影史上的里程碑。布勒松无法预见到今天用数码或者用DV来摄取影像，同时他也无法预见到社会学家对物质表象与实质之间关系的新的定义在什么时间产生。“决定性瞬间”真的可以客观反映事件的前因后果吗？“决定性瞬间”真的可以通过精心安排的现象来引导读者产生相对准确地本质理解吗？这样的问题是法国摄影界向布勒松理论提出质疑的基础，但是没有人否定质疑“决定性瞬间”在当时历史条件下的准确性或者说是指导意义。这些提出质疑的摄影家们开始把摄影的思路转向表现自身态度的方面去了。既然无法客观表现，既然无法看到本质，不如表现我自己好了，这是个美好的也是理想的境界。但是他们同样也受到质疑。这个质疑是：表现自己的作品的衡量标准是什么？普遍的美学标准在不同的文化背景以及不同的个人阅历面前失去了通常的衡量功能。那么这样的反映自身的作品如何才能被大多数人接受并成为大众语言而不是留给自己的儿孙欣赏？向布勒松提出质疑的摄影家们自己陷入了悖论，在还没有一个新的理论出现以前，这样的争论或者质疑会持续下去，毕竟是摄影理论的进步表现。我见过布勒松，见过现在还在他身边工作的人，并有机会与他们一起工作。布勒松已经94岁了，不可能再与我们一起玩“思维体操”。他建立了里程碑，我们不把里程碑当成墓碑就是对前人的尊重，站在里程碑边上，回首向后面的所有里程碑敬礼，然后转身向前走才是我们要做的事。谢谢背心 Post by GAO @ 14:33 摄影要认真

14:28 穿过通道，看见满眼的紫荆花，在暗淡中闪着金光。这间屋子里吸纳过意大利文艺复兴的精髓，也策划过宫闱政变。几百年了，满眼的紫荆花还是那样若即若离，我隐约感觉到历史是那么近。像穹顶的金光，那么近，不可及。在线之际，说几句肺腑之言。我感觉：做摄影就象做人，可狂野也可循规蹈矩，但是要认真。我不想说教，就拿这张照片来说吧：这是一张很普通的照片，用中幅相机依靠楼梯栏杆拍摄的。胶片是Ilford Delta 100，用D-76显影液正常显影。直接底片扫描而成。我没有使用非常昂贵的扫描仪，是一台Epson 2450 PHOTO扫描仪，因为可以扫描到大幅，就选择了它。这张照片在扫描前，我用罐装压缩空气清理了胶片表面，扫描后，噪音点不下1000个，我至少用橡皮图章点击了3000次（透明度为35%）做到每朵在暗位的图案能符合我的视觉要求，然后开始正试调整。如果说这张片子在曝光和显影上存在一点点技术的话，那么PS的过程主要是靠认真。因为我见到的当今大师实际工作的时候，都非常非常认真的，绝不允许出任何错误的。如果认为纪实摄影可以随意而为之，那就错了，即使是使用数码。我也用过数码单反和数码后背，其前期准备与后期制作的复杂程度不亚于传统银盐，我们还是要认真。至于为实现拍摄理念而把玩摄影，我奉送两个字：BULL SHIT. Post by GAO @ 14:28 在St Malo

06:37 St Malo以汹涌的海潮而著名，在防浪堤散步的人没想到巨浪来的这么突然. 人是很奇怪的动物，因为思维使人成为人，也因此变得奇怪。我走在圣马洛的老城墙上看着外面咆哮的大海，没有打算拍摄什么东西，手里端着F5，胶片计数器的数字是35。根本想不起来前面34张是什么内容，这个老伙计已经有4个月没有摸了。我知道还有两次快门机会就可以揭开这个谜：前面到底拍了些什么东西。奇怪的是：在远离巴黎的圣马洛城墙上我想到了塞纳河。有人对我说：巴黎，浪漫啊，塞纳河，更浪漫。我很同意这种说法，但是今天我突然问自己：什么是浪漫？发现我并不知道。在对摄影的方方面面理解试验总结的过程中，我满足地认为：我入门了，我知道怎么摄影了。但是“浪漫”牵着我走出了这个熟悉的“圈”，回头看看问自己：什么是摄影？我居然也并不知道。有些东西不拍可惜，拍了可气。但是手里拿着相机，心里暗示自己：你是来摄影的。于是就按下去了。告慰自己的理由是：我可以告诉孙子，爷爷我曾经来过这里。于是一切释然。但是这个行为是摄影吗？很长一段时间以来，似乎要给照片标上1，2，3的序号，起个相同的名字（比如：哈苏的困惑），就是摄影了。很狭隘。一段时间以来，设计师告诉我：要这样的效果。于是我精心布局，拍摄了一张。她满意了，这就是摄影了？很俗。由几次机会，把自己的愤怒用图像宣泄出来，感动了一些人，自己非常得意。就是摄影了？很自恋。塞纳河还是塞纳河，浪漫还是浪漫。稍纵即逝的，独立的，无规律的，自由放浪的，任意演绎的似乎就是浪漫。来自文学的浪漫概念，到今天越来越看不懂了，当更加浪漫了。逃不出这个圈子，被牵出来还是要回去的。于是极端工艺美感，自恋，编故事，制造虚假美丽，brain masterbation（很有用的一个词，可惜被人认为是淫秽的词组。）都可以任意演绎，无规律地稍纵即逝，让人看不懂。这个世界本来就没有框框，所以有浪漫。这个世界本来就有框框，所以没有摄影。只有拍照。 Post by GAO @ 06:37 与Amigo谈摄影语法的心得（一）

06:30 非常感谢你（以后别用您这样的称呼了，骂人没这样骂法的：-p）开了个好头。“决定性瞬间”----一个被很多人误读的概念，一条摄影的语法。我把这个话题单独拎出来论一论，一来谈谈自己的一点心得，二来规理一下思路。摄影语法林林总总有很多，每种手法演变为一条被普遍接受的语法，一定是具有魔力的。吸引着人，也把人狭隘地引入思维的单行道上去。我想就放开来谈摄影语法，虽然话题大了点，但可以涉及到方方面面，包括论坛上的朋友们。我喜欢用自己的话说，用大白话说，大家能听懂，也容易找到拍转下刀子的准确角度。线条变形代表了情绪，色块组合与变化也代表了情绪。姑且把影像当作一种情绪传递的媒介。几何学在摄影上的运用无处不在，到彩色摄影发展到今天的地步，色彩学实际上也无处不在地运用于影像媒介上。这一切，都是某个人把自己的情绪，通过几何与色彩符号的抽象组合，力图达到准确地传递到受众。“决定性瞬间”就是其中的一种抽象，组合，传递的方法，广义上讲，似乎属于隐喻范畴，布勒松在创立这套语法的时候，没有把色彩考虑进去，就像亚当斯没有考虑色彩一样。那个里程碑是在黑白年代树起来的。我们应该承认：无论任何语言都无法准确表达某种味道，这个味道包括味觉，嗅觉和视觉的层面。最简单的方式是亲自尝试，无论什么种族的人类，在尝试的时候，体验是一致的。但在没有尝试的时候，单纯地用语言来描述这些味道的感知，人类的间接感知存在巨大的差异。我们面对的事实是：人类无法直接感知摄影师当时当场的味道，一切需要间接地来品尝。准确传递就凸现其重要性，做到准确传递的语法也就体现了存在的价值了。“决定性瞬间”之伟大，在于引导了绝大多数受众的思维，“决定性瞬间”之狭隘在于运用视觉元素的局限性，那是个黑白的年代，没有电子图像的年代创立的语法。我还是那句话：站在数码的座标上，回首向先辈们树立的里程碑敬礼。在种种（摄影）语法萌生，完善，确立的同时，科学技术得发展影响了这些语法理论的演变方向，地域分割产生了这些理论的分野。从欧洲绘画对光影的极度追求到中国绘画散点透视的成熟运用。人类在不同的地方演变着不同的语法，电子图像把这些不同时代不同地域的语法整合到了600x800点的范围内，被人们接受了。 2000年前，我参悟各种语法，等待一个月黑风高夜；2001年，我站在第三者的立场上隔岸观火，等待胜出者的现成果实；2002年，我寻找符合人类共同感知的交叉点，小有领悟；2003年，我期望得到朋友们的棒喝，清醒自己的头脑，离开狭隘的单行道。 Post by GAO @ 06:30 与Amigo谈摄影语法的心得（二）

06:29 非常有意思的是：早期的摄影语法作为一条定理一直被沿用到今天。非常可惜的是：这些摄影语法被崇拜者狭隘化。我想举点例子来说明：对Sepia色调的运用可以作为一个例子来说说古往今来。1824年涅普斯（Niepce）用沥青涂布在金属板上，用一架针孔相机纪录了自家窗外的影像，并成功地定影了这个影响，世界上第一张照片就这么产生了，并被命名为Heliography。由于无法产生纯黑，图像的色调在那个年代很难控制准确，一会儿偏棕黑，一会儿偏青。但是人们很虔诚地认定这就是黑白摄影术，这种偏色的色调是摄影婴儿第一声啼哭。此后，无数人用无数方法再现着这个色调，从Agfa, Polaroid,Kodak，Ilford, Forte等等等等，直到今天的Photoshop的Duotone,Tritone,Quadtone。这种视觉古老，血统纯正的色调逃脱了被狭隘地运用在fine art的范畴。今天的时尚摄影还在不厌其烦地运用着这条语法。科学技术的发展，以及人类对色彩认识的进步。把古老的Sepia色调解构，再构建，形成了一个庞大的色调系统，在这个系统面前，关于色调的对应词汇显得异常弱智，唯一的办法是用一串数字来命名这些代表着不同情绪的颜色，你能知道4576689-1表示什么情绪吗？ “决定性瞬间”在街头商业广告图像中经常出现。一个眼神的延伸，代表着一种无法用语言描述的情绪，以及一段肢体的局部，导引着无尽的遐想。这样的画面，留意一下，会看到很多。语法的运用似乎没有象我们人为地把摄影划分为：纪实，新闻，艺术，商业，工业，时尚等那么狭隘，它不知不觉地以大众情人的面目出现在画面中。 Post by GAO @ 06:29 与Amigo谈摄影语法的心得（三）

06:27 摄影师想突破自己，从众人中凸颖而出，我摆脱不了这个强大的诱惑。去年夏天在北京，我与鸭子一起同曾璜论摄影。话题的开始是由“平遥摄影节”上我国的摄影师对国外摄影师作品的不理解（或者说看不懂）甚至鄙视起始的。这种不理解是由于地域性的摄影语法产生了而不为不同地域的人们迅速接受造成的。我当时问的问题是：如何站在人类的角度摄影，使摄影语言跨越种族，文化和历史背景的差异而被广泛接受，突破口在哪里？我带着这个问题回到巴黎。书没有答案，老师没有答案，同事也没有答案。但似乎大家都在潜意识里思考着这个问题。我把思路理了一下，竟然发现答案如此简单。我把这个幼稚的初步思考拿出来，希望得到同好的指点。 shishamo说：用老相机拍摄老照片。从某种意义上讲，shishamo在进行一个主题的摄影行为的时候，运用着至少三条摄影语法：第一是区域曝光法，第二是：广义上的“瞬间”，第三是：图片编辑规则。从《乡村医生》开始到萨老的《迁徙》，无数人在用老相机拍摄老照片（实际上是用同一种语言讲述不同的故事），突破自我的焦点在故事的选择上。我身边的摄影师就有2人为了寻找新的故事，娶了非洲籍太太，2002年12月30日我把他们送上飞往马达加斯加的航班，他们不回法国了，开始了孤独艰苦的语言创作，我祝愿他们能象萨尔加多那样幸运。还是shishamo在我到巴黎的初期，给我来信中说：老弟是聪敏人，要尽快选择自己摄影的方向。这个看似简单的提议，做起来非常困难。我曾单纯地试图在实验室创造一种新的摄影语法，建立自己风格的标识。终于发现我做的一切是在重复或者印证前人的东西。这点跟《玛雅系列》是一样的道理。乔治跟我说：有一天，一个摄影师用颤抖的双手，把刚显影出来的8x10底片从水槽中捧出来，他太小心了，胶片竟然掉到了地上，更糟的是，摄影师不知道他的脚已经踩在了那张胶片上，发现的时候一切都晚了，他无法接受这个错误，还是把片子印了出来，奇迹出现了，这就是Negative Ruin的由来，上帝给的礼物。相仿的故事促成了Solarize的方法。这段时间使我明白了这种可笑的行为必须尽快结束，“百年磨一剑”( 区域曝光法，决定性瞬间）与“上帝的礼物”（Negative Ruin和Solarize）似乎与我无缘。是否尝试把人为认定的语法使用范围嫁接到其他部分呢？事实上这是可行的，或许是个捷径。把决定性瞬间用在人像摄影上，把Sepia用在Fashion摄影上，把Negative Ruin用在工业摄影上。我有选择地把这些图像贴到了网上不同的网站，居然反映很好。摄影就是摄影，没有必要人为划定一个人文，纪实，风光，新闻，商业等界限，象音乐一样成为人类都能接受的语言多好。这种嫁接人为划定板块的做法，比直接推导一种新的摄影语法要容易的多，是建立自己风格的一个巨大空间。前段时间国内的一些刊物向我约稿，举个例子：迪派网站我已经留意很久了，是个推行数码影像的先锋网站。他们的编辑提出需要数码拍摄的图像。我回答说：扫描后通过ftp传送给你的算不算数码图像？实际上他们希望使用《窗口的帕比》，这是用Polaroid“古老”的技术纪录的影像，后期使用了数码方式制作的。这是个很难回答的问题。他们在不知不觉中接受了这种嫁接，但回到摄影范围划定的现实中来后，矛盾产生了。目前他们在开会讨论这个问题。说到这里，回头看看自己走过的路程：了解摄影语法：这是个读书年代的故事。我并没有专门读书，而是看了展览，绘画，摄影，建筑设计以及电子图形设计等。测试摄影语法：这是自己动手感知的故事。我坚定地认为需要亲自动手才能准确掌握。在寻找4x5幅面的红外胶片的时候，我发现制造商放弃了这种幅面的红外胶片，可能是电子图像能精确模拟的缘故吧。嫁接摄影语法：这是建立自己风格的故事。我随时准备接受来自各个方面的赞许，谩骂和指点。我相信这是个创造性空间。如果说“了解摄影语法”是为了手中有剑，“测试摄影语法”是为了练剑，那么“嫁接摄影语法”当是手中无剑了。2003年是心中无剑的年代。再次感谢Amigo开了个好头，我把自己的一点心得拿出来与你分享。（全部在线写的，错别字或者文字结构的失误请别介意） Post by GAO @ 06:27 与Amigo谈摄影语法的心得（四）

06:24 兔子提出的对“嫁接”一词用法是否准确的问题，我一直在思考。这个词的用法导致了理解上的偏差，比如鸭子把E冲C的Cross Development归入了这个嫁接范畴。问题出在我这里，“嫁接”还是暂时改用“打破常规”来表述吧。今年的8月22日，布勒松就95岁了。在4月份他本人的基金会成立以后，一代宗师的摄影史就此封存，里程碑埋上。话题由“决定性瞬间”起，就此多提一笔。布勒松的太太Martine Franck也是摄影家，她是怎么拍摄的？在拍什么？布勒松的女儿Anne呢？这些问题先不谈，算是留点恶俗的包裹吧。 “打破常规”的最后指向是对着数码的。原本需要三个月完成的一个实验，用数码在两天内可以完成。这使我有机会在最短的时间内玩好喜欢的东西，练剑用电脑最合适不过了。当一个问题一直困扰我的时候，我开始请教一些专家，试图从他们那里印证我的怀疑。困扰我的问题是：数码输出到底能否替代传统输出？这些专家来自摄影界，色彩标定组织，制造业，学术界，传统印刷行业。我希望得到答案是：不能完全替代。但每个人都给了我统一的答案：不仅替代，而且超越。就连乔治这样在暗房一辈子的人，也告诉我：离开暗房吧。我的儿子在日本冬奥会的时候，全部用数码的，他很少进我的实验室。乔治问我：买什么样的电脑?Microsoft的？还是Apple的。我回答：买Orange。（法国电信）数码变成了可以从成像到输出的银盐替代工具。在刚接触摄影的时候，我的朋友Jimmy开玩笑地说：最好的照片往往在第36张，大师级的照片往往是在第37张。一次偶然的机会我看到布勒松那张《跃过水洼的人》的底片，上面的标号是36。数码不存在换胶片的问题，而这个问题不仅困扰35毫米用家，对大幅摄影来说是个nightmare。我看到了用太阳能提供辅助电源的装置，数码供电问题不会困扰我太多，早晚会去试一下的。一台电脑，一套photoshop，加上大家提出来的不同制作语法，就可以完成全部的排列组合，短时间内就可以找到最佳表现方式（组合）。Amigo的最后一张图片可以用Photoshop调整到大幅相机的透视。不需要17毫米镜头，正方形可以调整到正圆。熟练者5分钟完成，最可喜的是：不需要花钱就可以任意打破常规，玩弄语法。内容，对了，要说内容。如果真的不是追求视觉愉悦，而是追求现实存在和社会意义的话，那就用最简单的level工具好了。但是通过镜头折射出来的现实存在，到底有多少具有真实的社会意义，有多少是镜头后面的人的个人描述？这个话题哪位感兴趣再单列讨论吧，我想争论会非常激烈有趣的。套用小丽的一句话：都是洋人玩老的东西。----从决定性瞬间到新摄影。 Post by GAO @ 06:24 非洲护照

05:12 车被困在沙漠的时候，太阳已经落山了。我过高地估计了自己的能力，偏离了达卡--巴黎的老路线。在准备露营的时候，天际间出现了他的剪影，以及他的7个兄弟。他们说斯瓦西里语。我很惭愧，不知道如何说“你好”或“谢谢”之类的话。在他的帮助下，我离开了沙丘。在他家坐下时，他开始弹奏，我不知道这种琴叫什么名字，上面刻着“1824”的字样，估计是年号。 Hassy+Tri-X Post by GAO @ 05:12 不一样的巴黎

05:07 用大幅相机和Kodak Technical Pan拍摄的建筑。塞纳河边看里昂火车站。密特朗政府在巴黎画出一个区域，向世界展示法国的工业水平和现代化程度。 Post by GAO @ 05:07 彩色转黑白的方法

03:08 有很多办法可以在PS里面把彩色转为黑白，比如：转换mode，把saturation值设定为-100等。这些通常被广泛采用的做法并不是正确的方法，你的图像质量在经过这样的步骤后损失非常大，当然在屏幕上勉强可以对付，但是一个有经验的图片编辑可以立刻指出这个彩色转黑白的片子。彩色转变为黑白，并在纸上输出后能让专家无法分辨出原来的底片是什么样子的。这点不难做到，如果有一台“好的”输出设备，再加上下面的步骤，您可以试试看： 1。打开一张RGB模式的彩色图。 2。window/layer 3。creat new fill or adjusment layer/hue-saturation得到一个layer（命名为Layer A） 4。将这个layer A设定为color模式 5。重复3步骤得到另外一个layer（命名为Layer B ） 6。将Layer B设定为Normal模式 7。注意Layer B永远在Layer A的上方，将Layer B的saturatiion 值设定位-100。你得到一个黑白图像（原始图像以彩色RGB模式保留在background并被lock了）事情没有结束，看看下面的变化： 8。选择好Layer A，拖动hue按钮，看看有什么变化，不相信？哈哈。 9。再进一步，比如您要把蓝天压暗，这么做，在hue/saturation对话框中的edit项下，选择Blues( 通常默认值是master），再次拖动hue，看看怎么样，嘿嘿，前提是您拍摄的天是蓝色的。如果是红色的天空，就选择reds。 10。再精确一点。话回头说。在您打开RGB图像的时候，用info工具测量各个区域的值（也可以在调整的时候测量），可以把各个区域的颜色做非常细微的影调调整（这点在传统暗房是无法做到的，我失败过无数次），比如在hue/saturation对话框的底部有色域选择条，您可以对照Lab或HSL色域标准图来选择细微过渡颜色的调整，从而使您的黑白图像极富影调。 11。上面说的方法是最终能将彩色图像作极高品质的黑白纸上输出（前提是彩色胶片质量也要很高）的开始。暂时到这里，把Layers flatten。再做您以往习惯的各种调整，图像的原始信息没有被破坏，您得到了最高像质的黑白电子图像，没有人能贸然说这是伪黑白了。顺便说一句：有伪黑白一说吗？黑白是彩色的一种颜色表现。R+B+G=白，R-B-G=黑，同在一个色域象限，为什么要分为前娘或者后娘养的呢？ Post by GAO @ 03:08 数码相机代替扫描仪？

02:58 1）翻拍时，在图片边上放一条灰阶卡，没有的话就放一张黑卡和白卡。 2）连图片带黑白卡一起拍。 3）在PS里将图片模式变成Lab，打开channels,取消a,b,和Lab channels, 剩下Lightness,图像变成黑白，用黑白卡做标准，调整图像对比和明暗（选0和255就可以了）。 4）在channels里面把4个channels全选，再把图像模式变成RGB. 5）打开info，可以选择重点颜色调整（或替换），同时 6）可以调整Hue/Saturation，知道颜色与原片一致以及色彩饱和度满意为止，当然也可以调整到你老人家高兴为止。 7）打开图像尺寸，Definition可以选450x450 Pixels或500x500 Pixels， Resolution选72就可以了。 8）用JPEG格式另存，质量选8就可以了，在这个对话框最下面会有提示档案大小的数字，调整到79.9999999（哈哈）就符合标准了。 Post by GAO @ 02:58 班门弄斧谈彩色（一）

02:55 其实这个话题由Shishamo兄来说更加合适，班长点俺的名，就把一些体会和心得聊一聊，这其中有很personal的看法，俺希望得到同好的指教。先炒色彩分类系统的冷饭，看看几种色彩分类的不同和特点，在侃颜色分类之前先要讲讲 “波长“，俺知道这很头痛，但俺也没办法，先解决几个文字上的问题： nm=nanometer=纳米 angstrom=埃米=0.1nm R=Red=红 G=Green=绿 B=Blue=兰 L=Lightness=明暗度 CIE=International Commission of Illumination (缩写原文是法文 Commission Internationale de I’Eclairage) H=Hue=色调 S=Saturation色饱和（度）不同的 Light 具有不同的波长（Wavelength ）, 光的波长范围从10 纳米（X-rays）到 1 毫米（=1000000纳米）（微波）之间，在这个区间里，我们肉眼可以看到的光的范围从400nm（纯兰）到700nm（纯红），（说句题外话，俺亲爱的甜姐姐就是在 700nm 以外逛游了很多年，我们就叫她红外了，若她不小心溜到400nm以内去的话就叫紫外了：-））介于400nm到700nm之间的中间值555nm是黄绿色（yellow-green）。如果我们把wavelength置于X轴，将可见光的 Efficiency落于Y轴的话，可以看到400nm和700nm在曲线的趾部（y 值趋于 0）， 555nm在曲线的顶部（y值趋于1），人的肉眼最敏感的颜色是Green。 RGB模式就是将400-700nm区间内不同性质的光线定义为：Red=700nm, Green=541.1nm, Blue=435.8nm。三种不同的颜色（三原色）通过不同的组合和叠加产生不同的色调，其中R+G+B=White。在日常应用方面是通过投射方式产生颜色组合的，如幻灯机，电视机等。 CIE在 1931年用XY坐标形象地图解了各种色彩系统的涵盖率，其中RGB分为 Extended RGB Color Space 和 Video RGB Color Space, 即使是 Extended RGB Color 也只涵盖从400nm-700nm区间的约70%，而 Video RGB Color Space 只占前者涵盖率的约 70%。这说明一个事实：RGB模式无法全部表现可见波长的颜色，通过投射方式产生的颜色更少。印刷业采用的CMYK模式基本上被 Extended GRB Color Space 所涵盖，但只与 Video RGB Color Space 有约1/4多的交集。这样我们就很容易理解了：电脑显示的颜色只有实际存颜色的约 70%，如果在电脑中用RGB模式调整颜色的话，若丢失了Video RGB Color Space 不能显示的其余约30%颜色，我们是无法察觉的，而在此后打印输出时，我们的打印设备采用的CMYK模式恰恰只能反映屏幕颜色的1/4，而同时需要你不经意丢失的另外的30%中的一部分，结果很清楚了，我们通常会骂打印机的生产者，但又无奈地对打印输出渐渐失去兴致了。我们怎么丢失掉颜色的呢？在电脑的Video RGB Color Space操作中，我们是在三个频道同时动作的，就是R channel, G channel, B channel，每一次的调整会使三个频道联动，每次的联动就产生无法控制的丢失，当然也可以分channel来调整，除非你真的闲到快死了。每个channel 有256个Value（值），三个channel就是256x256x256=16777216种颜色，反正打死你我也不干的，要玩自己玩去：-）其实问题还是在我们自己，通常有个不是办法的办法，就是让Photoshop 自己去Proof打印的颜色，Photoshop的软件编写者早就知道我们会遇到打印的问题，就增加了这个Proof功能，其实是把矛盾导向了打印机生产者。打开View，选择Proof Setup,选择你最终输出的模式，回到 View,选择Proof Colors，就这么简单。（我不敢保证在1930年出版的 PS是否有这个功能：-））在我们做了一系列上面很高科技的动作以后，开始了Photo Qualiy打印，结果还是不尽人意！！我们还是骂打印机：-）实际上Proof只是看起来很High-tech地将周边的颜色压缩，借用，平衡地拉到了CMYK模式的范围里，至于PS中的Proof到底做了些什么动作？有首歌提供了答案：“。。。。。。我就不告诉你，就不告诉你。。。。。。“ 我们必须采用其他的接近方式（Different Approach ），我们有权力知道另外的30%在哪里，我们不能让电脑神不知鬼不觉地丢掉他们，然后偷梁换柱地用一些其他的东西来代替，还要Proof一番（不是我干的！？）。在除了RGB模式以外，CIE用其他不同方法（Different Approach ）来定义颜色，为我们对色彩的性质的理解提供了理论。我们有了HSL 模式，Lab模式，对于我们摄影同好来说，HSL模式很容易理解，但需要一点想象力：想象一个空间的三维坐标，呈纺锥形（如果你坚持说是呈橄榄形的话，我也同意）。纺锥的两个尖端连成一直线，表示L值，将纺锥拦腰切开，见到一剖面，沿剖面圆周旋转表示H值，从剖面圆周向圆心渐近线表示S值。我们理解到，颜色的变化和产生于亮度有关系，绝对的黑暗里和绝对的亮光里，我们见不到颜色。沿L轴改变其值就是改变亮度从最暗到最亮（0%-100%）；从剖面圆周边缘向圆心渐近线的值的变化表示Saturation 从饱和到消失（100%-0%），到达圆心时颜色变成了 Gray；沿剖面圆周旋转H的值产生变化表示各种色调的变化（+180度/-180度）。在这个坐标系中，任意调节一个值不会影响到其他两个值的变化，而我们得到了不同的颜色。说道这里，基本上可以开始理解为什么将图像改变成Lab模式（虽然还没说到Lab模式）然后分Channel调整，我们不能糊里糊涂地丢掉东西。后面有关的部分涉及到Lab调整的窍门，保持最少量的丢失，尽量准确地转换到打印模式，为不同用途设定合适的Definition和 Resolution (这些在开始扫描的时候就要考虑进来的)。写到这里突然发现班长提的问题真的很大，俺的手已经鸡爪了，且听下回分解吧。 Post by GAO @ 02:55 班门弄斧谈彩色（二）

02:50 上次说到了H(Hue)S(Saturation)L(Lightness)模式，绕了很大的圈还是没能回答班长的问题，原因有两个：第一，要说明Lab和RGB模式的区别就要从头来说。第二，打印颜色的效果跟在Photoshop里如何调整有很大的关系，也涉及到为什么要用Lab模式来做，当然还要涉及 Definition（翻译成清晰度似乎不准确）和Resolution（翻译成分辨率似乎也不准确）的因素。我们一步步地来吧。 HSL模式还是基于RGB三原色色彩涵盖率的基础，不同的是将明暗度的参数加以考虑，使我们更加容易地对色彩分层理解。有了橄榄图，我们再次来认识一下驱不散赶不走的Hue，Saturation和Lightness。 Hue----按照可见光的波长的变化，我们可以见到从400nm到700nm之间颜色出现红绿蓝品青黄的光谱变化，好了，用一下你的四个指头，准备一点胶水，这么做：捏住400nm和700nm两端，涂点胶水，把两端粘在一起，丢地上，狠狠踩一脚（用右脚踩才有用的），这个颜色周而复始变化的彩色纸环就有了个头痛的名字叫Hue。 Saturation----色饱和度。粉红色就是色饱和度低和亮度大的红色。各位知道红烧肉怎么做的吗？酱油放多了，就成黑烧肉了，这就是 Saturation大了；酱油放少了，就成白少肉了，这就是Saturation小了；酱油放正好，就是红烧肉。不管怎么说，酱油放多放少，总之出不来绿烧肉：-）如果哪位偏好绿烧肉的话，拿那个瓶子上有Hue标记的调料自己倒就是了。（天知道Saturation怎么跟酱油就扯上了。） Lightness----明暗度。不用多说了吧。曝光严重过度和曝光没谱地不足，什么颜色也没有了，除了黑白。用什么样的模式才能最大限度地表现可见光谱（色彩）呢？1976年CIE的一群老爷子们（请记住1931年这帮家伙搞出了RGB模式，让我们有些同志至今还在吃亏。）在RGB模式出来45年后，琢磨出一个让人头发很容易变白的Lab 模式来显示他们很professional。这是个很难直观理解但非常科学的理论，俺尽最大的努力来试着说清楚。我们所说的颜色，无论是纸上的，胶片上的，屏幕上的，都是为了被我们自己的视网膜所感知，然后再向大脑数据库搜索感知到的颜色的对映文字称呼，虽然大多数感知到的颜色没有对映文字称呼，但我们很会自欺欺人地认为就是某某颜色了，并记忆下来。举个例子：视网膜对红外线没有感知，但胶片可以感知到，红外胶片成像后印出来的黑白照片，实际上反射到我们视网膜上的不是红外线，但我们坚信这就是红外线效果，用可见光谱来表现不可见光谱而使我们高兴地接受欺骗，这就是我们的视网膜和大脑每天干的好事。 Lab模式就是利用了这一点。我们的Retina（视网膜？）就像一个传感器，由两个部分组成：一个是sticks（哪位给翻译一下？），只对明暗灰阶感知；另一个是cones（哪位也给翻译一下？），只对颜色感知。一场利用视网膜特点的“欺骗”行动就从Lab模式开始了。 L=Luminance----一个既暧昧又容易引起歧义的翻译是：明视度。最好忘记他。俺用农民白话来讲一下：Luminance就是把颜色从可见光中抽走（当然现实中是做不到的）只剩下反差（contrast），亮度（Luminosity ）和锐度（Sharpness）。根据我们眼睛对可见光的敏感程度，在颜色被剥离后，我们对红色躯壳的敏感度是30%，对绿色躯壳的敏感度是59%，对蓝色躯壳的敏感度是11%。还是那个橄榄，这次联结两端的是Luminance，从0%到100%，用没有色彩的灰度来表达彩色。 a, b=Chrominance----通常的翻译是色差或色度。你能知道这是什么东西吗? 反正俺从翻译的字面上死活理解不了。还是有请农民伯伯来试试吧：a是表示色彩从青绿（Cyan-Green）到品红(Red-Magenta )的变化过程；b是表示色彩从青兰(Blue-Cyan)到桔黄(Yellow-Orange )变化的过程。在那个橄榄的剖面上呈xy轴，他们随着Luminance 的变化而联动。回到电脑上，打开image到mode，改变原来的RGB模式，选择Lab模式，再在 windows菜单选择show channels，选择Lightness(就是只有它前面的小眼睛睁着。)，这时图像就是黑白了，调到高光和暗位达到满意细节后，将show channels的四个小眼睛都睁开，再看看怎么样了。然后再转到RGB模式，调整 Hue/Saturation到满意为止。在RGB模式中别再调整Lightness。这样顺序的调整可以将颜色丢失降到最低。为什么呢？这里有个小把戏。在RGB模式中的Lightness变化时是与颜色联动的，只能在 Hue/Saturation项下调整，在其show channels栏中没有Lightness一项频道，所以在RGB模式下调整Lightness，实际上是RGB三个频道一起变化，只是你看不见而已。但在Lab模式下，具有Lightness一项单独的频道。这里有必要说一下Lab模式的Lightness与RGB模式的Lightness不是一回事。 Lab模式的 Lightness是把颜色从可见光中抽走后剩下的反差，亮度和锐度。颜色虽然被很技术地抽走了（现实中居然就有这样的疯子能把颜色抽走，老子佩服啊。），但原来属于它们的坐标还在，调整Lightness后，还可以把颜色请回来，各自回到属于自己的坐标位置去。这就是为什么把颜色丢失降到最低的原因。俺想俺已经回答了班长的第一个问题。至于第二个问题……还有很长的路要走啊。明天再聊吧。俺有说错的地方尽管砸，包括打字错误，俺现在对上面的几个翻译很得意，当里格当。您的批评，更加坚定俺向牛津字典编缀委员会投稿的决心：-） Post by GAO @ 02:50 我摄影的7个阶段

02:45 我接受大家的来自方方面面的意见和批评，有的朋友意见一针见血，但措辞非常婉转，我看出来了，熟悉我的朋友可不会那样留情面的，照直了拍砖比较痛快。听到夸奖的词，心里会有美滋滋的感觉，这样的感觉很快就会过去，毕竟我已经过了爱听好话的过程。（不留神自己夸了自己一把，惭愧。）谢谢大家的关注，我有点心得跟大家聊聊，不一定准确，但至少提供了更多拍砖的角度。显摆发烧的时期：这个时期追溯到新郎摄影论坛成立的初期。那是个比谁的设备多/好甚过图片的年代，我参加过NC大战，拥有过太多的比专业更专业的设备。当时追求的是分辨率，色彩鲜艳，一切最新推出的摄影器材都在我的收寻之列。“我就不相信100卷Velvia里就出不了一张作品。”赢是最终目的，有没有道理不去管他。我记得经常出现的画面是：摄影朋友把自己的长枪短炮一股脑堆在桌上，然后大家合影，然后大吃大喝，然后曲终人散。这是个把自己打扮成比专业更专业的年代，现在想起来非常有趣，我还是很怀念这段日子的，但打死也不会再回到这个时期中去了。迷茫模仿的时期：终于有一天发现，堆了半屋子的器材似乎没有一件具有收藏价值，几千张反转片放了无数次以后，连老婆都懒得再当一次观众。听到的最多一句话是：镜头真锐。至于背后有人说另外一句：水平真臭。的话，我想傻瓜都能自己明白。这个时候对器材还是没有降温，因为看了很多名家的册子，发现要用中幅相机，至少要用德国镜头，这些东西不仅能让我看起来距离名家近了一点。而且还是有收藏价值的。于是第二次灾难开始了：中幅，手动机，德国头收罗了一大堆。最终结果没有发现自己离名家近了，倒是增加了几只防潮箱。摸索思考的时期：有了这些设备，没有理由不出作品。事实很无情，就是没有出作品。我很明白，我的朋友看在我那堆设备的面子上不好意思扁我。我一生中最正确的决定就是：作品不是靠设备换来的。于是就有了思考和虚心学习的基础。在我混过的论坛江湖色聚集过一帮北美的摄影爱好者，他们新鲜的视角立刻成为我学习的目标，我认为这就是世界的眼光和水平。当时的兴奋难以言表，因为我对国内一些八股的拍摄方法一早就不感兴趣了。江湖色给了我一个窗口，看到了人们在不同的社会环境中的观察方法。终于有一天，我对这种观察方法失去了信心。因为我看到了除了表面化的精确纪录或者艺术地记录以外，没有什么东西了。我需要离开那个地方。反思吸收的时期：终于我去了法国。发现摄影的路需要从头开始。从坚实的技术基础开始，然后用这些技术来为表达服务。一个系统化的认识过程是从这个时候开始的。我的摄影真正的开始是在这个时候。摄影技术除了物理地精致地制作以外，还有一部分是矫正自己观察世界的视力和角度。以前受到的教育是“当革命的螺丝钉”“凡是敌人反对的我们就要拥护”。这种没有自我和简单地二元论是摄影艺术表现的大敌。我觉得摄影技术最重要的就是这个观念的改变。巴黎集中了世界上最优秀的摄影师，巴黎吸纳各种异想天开的灵感，这是宏大摄影技术的必要条件。矫枉过正的时期：我看到了透视的重要性。二维性的图片要反映三维的立体实像，透视是非常重要的。有人说：你的照片看起来死板。就是这个意思，没有透视。在这个时期我的照片中没有不出现各种线条，类比的。好在我没有陷入滥用广角产生透视的泥坑。象学习透视一样，各种摄影的语法一点点在我的脑子里积累起来，这些在商业摄影中可以立竿见影地使用。然而看多了这样的照片，发现自己还是在走欧洲人走过的老路。磨练心态的时期：当认识了技术到底是什么了以后，一种追求平静的思路几乎占据了我每天的思考时间。摄影语法是用来表达摄影语言的，可以高亢，可以娓娓道来，可以强迫，可以商榷。掌握了语法的人不一定都能写出畅销书，他需要寻找素材，并把自己的语法能力加载到素材中去，才有可能写出畅销书来。在Robert Capa的年代，二次大战的素材永远吸引着感动着人们，在Sebastiao Salgado的年代，弱势人群关怀的素材永远拨动着人们的神经。当你看到第一张非洲饥民的照片时，无法想象到在看第10000张类似照片时的麻木。人们这是怎么了？摄影这是怎么了？这段时间我离开了江湖色，回避了摄影的朋友，放下了相机，同一些研究社会学，哲学，人类学的学者混在一起。渐渐明白了一些道理。我行我素的时期：我对一切敢于认真探求的摄影手法，一向用崇敬的眼光来看待。毕竟这些人是在用脑摄影，而不是用嘴或用屁股在摄影。这个时期我发现自己对这个世界，不同的文化，不同的历史环境所理解的太少太少，在这个时候，每次举起相机都会战战兢兢，问自己：我在拍什么？拍自己的想法还是拍事物的表象？虽然我按下了快门，但我心里很清楚，我所认识的事物表象只是在我的文化环境影响下的个人看法，也许完全歪曲了事实，可是我没有能力看到表象背后的东西。既然不能如实反映表象，没有能力反映实质，为什么不老老实实，平平淡淡反映一下自己的感觉呢？在反映一下自己的感觉的时候，为什么要穷凶极恶地说话而不是放低嗓门有话慢慢说呢。在我自身修养还没有达到一个高度的这个时期，我会我行我素，有话慢慢说。说了一大堆废话，想得到朋友们的指点和帮助，谢谢。背心 Post by GAO @ 02:45 摄影的“精神失常”和“Brain Masturbation”论

02:30 网友4seasons: 背心同学：我只是觉得你的“精神失常”和"Brain Masturbating"过于张牙舞爪了，影响了整个文字的美感，削弱了文字的张力。正如您所想说的，或者说您以下文字表达的另一层意思，或者说读者从以下文字中的另一种理解，“为什么要穷凶极恶地说话而不是放低嗓门有话慢慢说呢..........”。这只是我个人的看法，而且我不是开玩笑的。我想说的是，我没有什么恶意，对于您的照片，我不加评论。

我的回答：好吧，我就说说“精神失常”和“brain masturbating". 首先“精神失常”这个词是我还有我的同行经常用来说明自己在拍摄一幅作品或评价他人作品的时候用的一个词。第一次使用这个词是在蓬皮杜文化中心。当时广场上的巨型屏幕放映一个短片（重复不断的短片）：一个人把正在播放嘈杂信号的电视机放在地毯上，这个人趴在地上，用前额用力地撞击电视屏幕，直到血流满面。然后重复，再重复，不间断地重复。我与几位同行坐在广场上一直看着这个镜头，终于有个人说话了：“我们的行为，思维都受到社会，道德，传统的规范，也就是说有个无形的尺子在衡量着我们，我们在这个圈子里出不去。如果我们不在这个圈子里，就会被视为异类，或者说精神失常。”接着有人说：“我们受到构图，形式以及各种专家的好恶影响，我们的摄影也在一个圈子里，如果出了这个圈子，是否就是异类呢？是否就会被称为精神失常？”我说：“如果不出圈子，你的东西就会被接受，如果出了圈子，你的东西就会有突破。这个平衡在哪里？” 这个讨论持续到晚上最后一班地铁。每个人都试图在寻找一个答案，每个人都很兴奋地等待这个答案，可是答案并没有出现。最后我们把这个思考讨论的过程叫做“Brain Masturbating”。我觉得这个词非常恰当地形容了寻找平衡的行为过程。摄影语言中有用实像转换成符号再转换成隐喻的方式来传递信息。这个过程也渐渐地教条化了，比如：纵向汇聚线条代表了一种深远的涵义。窄小的空间代表了一种幽闭，还有人物的表情，物件等等。如果从这个层面来看摄影的话，意味着需要建立一个新的传递链，或者说挣脱传统语法（“决定性瞬间”也是摄影语法之一）---精神失常，这个过程会很有迷茫，一旦挣脱了也就成功了---brain masturbating（一个英国籍的摄影师偶然“发明”了这个词组，并被我们接受）。有些人把“Masturbation"当作一个脏词，或者把这种行为归属为下流。我不这么看。再说“Brain Masturbating”与“masturbation”完全不是一个意思。“精神失常”也不是贬义的。在这个后记中，我把无法通过通常标准来衡量的摄影行为用这两个词来归纳，是源于我对这类摄影行为无法评价，因为Brain还需要不断地masturbating。这类摄影需要摄影者本人来阐述，来解释。就象前面提到的“前额鲜血淋漓”的行为。我把这两个词在我的文章中的背景，起源和使用原因对您作了解释，谢谢您的认真。我也在这个方面进行过尝试，这里有张图片，是我拍摄的一个系列中的一张，从画面中您能看出来我想说什么吗？如果我不说的话。

网友大山的见解：就像那些街头的“行为艺术家”。他们所作的行为中或许含有“哗众取宠”的成分，但同时也有着冲破传统行为规范的意思。但大家能说他们的行为就是“有伤风化”吗？我的理解是：类似这样的行为，实际上就是一种挑战；对传统的挑战、对自己的挑战。说的在直接些，就是一种尝试！我想在摄影及其其他艺术文化方面是需要这样新鲜的东西的。很显然，西方社会在这方面确实是走在了我们的前面。。。。。。背心同学：我想你下面的那张照片想表现的也是这层意思吧？

网友塑料大龙的见解：别忘记了人的想象力，比如视角的想象力，够图的想象力以及后期制作的想象力等等等等... 作一个没有 IMAGINATION 的人是可怕的。背兄的这张片中的云彩就是一种很有想象力的后期制作. 说道 brain masturbating, 其实就是说你敢不敢 brain masturbating, 你敢不敢用你的想象力,用了，就是你 masturbating 成功了，射出来了. 以前和我的拍片好友 1billion 聊过, 他说他认识一个记者，看了他的片，无论是暴光，构图，冲洗都没问题可以说近乎完美，可是看来看去，总是觉得缺点儿什么。现在，我想可能是缺少想象力吧,也就是少一把 brain masturbating 吧.

Post by GAO @ 02:30 对Royal（卤鸭）的描述

02:28 鸭子是我最早认识的朋友，想来一起出游也已数回。谦逊与固执，智慧与迂腐，宽宏与较真在鸭子身上每每同时出现。一张铁嘴忍不住挑起深遂的话题，从不计较舌战的得失，决不附和俗定的定律。日见稀少的鸭毛引出无尽的遐思也换来陡增的内力。如今一副鸭架一张铁嘴和一双永不疲倦的鸭掌还是那样在执着地探索迷茫。愚乃鸭子生前老友，待鸭子铁嘴蚀褪，百年之后，定赠墓志铭：才高八斗，学富五车，铁嘴铜掌，纵横神洲 Post by GAO @ 02:28 论摄影与厕所的关系

02:26 厕所，灵感勃发之所。有史实为证：蒙哥马利同志解决内急后蓦然激发攻打墨西拿之战略意图。猛然间发现这出恭之处居然与摄影也不无关系，这点着实让俺吃惊不小。君不见：其一：大凡出恭之所环境优雅者，会拍出小资情调的花鸟鱼虫，并以 velvia,provia,astia居多；反之从恶蝇狂舞之处飞身逃离者，会拍出奋世嫉俗的调调，选用 T-max Tri-max 乃至 Lucky。其二：凡居二室二卫者，会玩抽象，色块，构图等学院闲趣；反之慌乱中遍寻公厕者，擅长反差，冲击等惊人效果。其三：凡顺利完事者，均阴阳平衡，悠悠哉如私塾先生，对你的片子说个子丑寅卯，反之便秘难忍者，均急火攻心，奋奋然如李逵再世，一斧子砍你个生活不能自理。终一日，由奢入简难，而由简入奢易。遍寻公厕者会居二室二卫，而阴阳平衡者难入恶蝇狂物之所。思之，慎之，如厕之际乃思绪分野之时。看不懂就当我没说。 Post by GAO @ 02:26 我爱风光片

02:24

容易模仿，只要您的小细腿还没折，还有一口鸟气，就有了模仿的基础。相机？数码的就成了，没有？借台什么都行啊。
不用脑子，看到就拍，碰到更好，运气嘛。你没有，哎。俺多的用不完。高兴时可以拍，不高兴也能拍，哈哈哈爽啊。
拍好容易，拍虚了，那叫个朦胧，拍实了，那叫个质感，曝过了，那叫个抽象，曝少了，那叫个宣泄，划片了，那叫个前卫。什么？？冲出来是白片，那不怪俺。可恶的冲映店老板，老子给NG交的稿就这么。。。什么什么？镜头盖忘了取下来了？那也不怪俺，^$%%^##^^
不怕批评，由于上面的理由，对不顺耳的评论可以耳朵里塞驴毛，对肉麻一点的评论，可以趴铁轨上充个大铆钉。风光好啊，风光片好。俺随便一拍，乱讲个地方，你能拿俺怎么样，进退自如，利害啊。一不留神愣跟艺术蹭了一把。倒有一人，穿过冰裂缝，抗台4x5到珠逢拍冰川。你在挂历上看不到的，坐马桶上也想不出的。这个家伙是个例外，俺是真的喜欢他的风光。 Post by GAO @ 02:24 师傅，大师傅和大师的关系

02:21 好像在去年，鸭子招呼我等上福建聚集，俺一兴奋，坐在马桶上印了10张8x10大小的黑白。看了无数暗房的技术书还有Kodak 出的让人头痛得要命的曲线图，跑了几趟杭州照相市场，买了一大堆需要或不需要的东西，回到家里在厕所里熬了3-4个通宵。高高兴兴到了福州，当然给鸭子小丽鱼尾之流看片子了，从他们暧昧的表情和支支吾吾的口气中，实在不知道是什么意思，终于小丽开口了：（这小子想了2天后，有了下面的话，还是很哲学的。） “我要叫你一声师傅，是那种修锁做饭的师傅，如果你的暗房技术再提高一点点，我就叫你大师傅（还是做饭的）。你要把“傅”字去掉，恐怕很难，还有很多技术以外的东西要学习啊”（作语重心长状）开始了系统化的学习，老师说：什么书也不要买，除了作品集，什么书也不要看，除了gallery。跟我练习，不断犯错，让我来纠正你。” 纪实摄影的老师把我们赶上街头，拍马路上骑自行车的人，然后大家一起看片子。答案出来了，有的反映交通状况，有的反映环保意识，有的反映颜色，有的反映线条搭配，有的狗屁不通。老师总结：摄影的视野跟个性和观察角度有关系的，但这不是photojournalism，如果我是编辑，需要都市中自行车艰难地在车流中行进的照片，你们再去街上，后天看片子”。第三天，每个人同一视野了。老师又发话：“photojournalism在绝大部分的情况下，摄影师是编辑的工具，你要拍他们需要的照片，并按照NAA/IPTC的规范传送你的影像资料。要张扬个性，那就拍Documentary，我们下次谈谈这个话题。。。。。。” 暗房老师指着桌上各种相纸和化学药品说：“这是世界上能够在市场上买到的所有的暗房材料，我提倡你们自由配比，你们手上每人有一张相同的底片，我下楼喝一个小时咖啡，你们记住自己用了什么相纸和药品，呆会儿见。” 我用了自己常用的D-76和RC，30秒钟搞掂，就下楼跟老师一起咖啡了：-）老师73岁，很谦虚地人，说：我只能告诉你们每种相纸和药品的功能，相互间不同的搭配要你们自己感觉，我相信每张照片都会很好，但都不相同。关键是你要片子印出来是怎么样的，然后你印出来的就是这样的。我问：布勒松的片子好印吗？老师说：不好印，抓拍的东西没有时间在底片上布置合适的密度，但他很明确地告诉我要印到什么样子，我可以准确地知道他要什么，通常会先印样片。” 上课了。。。。。 Studio老师更干脆：我不会告诉你应该怎样放你的Flash，要多少 Flash，我不要看到每个人都是一样。要学习，书上的东西永远是旧的，学新的，上Saint Honore走一下，看看他们的橱窗，记下来，回来练习就可以了。” 又回到宏村夜话：摄影，功夫在摄影之外。 #Saint Honore是与香榭丽舍平行的一条小街，从Musee Du Louvre 开始到总统府结束。这条街上任何一个小窗户后面的家伙来点新花样，会让全世界不平静一阵子，这里聚集了全世界顶尖的设计师，总人数比法国人引以为荣的国家院士人数还少，只有16人。 Post by GAO @ 02:21 非洲----水，骆驼和生命的故事（前言）

01:27 我是带着商业目的上路的，没有想刻意去记录人文。非洲的文化和社会离我太远了，虽然我看了很多书，听了很多有经验的人的故事，但还是觉得非洲离我太远了。我不可能知道在一个非洲式的微笑之后会发生什么事。 “你永远无法知道他们下一步想做什么.你也永远无法知道他们为什么喜欢你或者憎恨你。”Philippe这样警告我，他在非洲失去了自己的右手指。 “有很多习惯是不同的，你一个善意的手势可能代表了侮辱。你要小心，我的孩子。”Barbalu是出生在非洲的比利时人，她父亲是当年比利时驻喀麦隆的总督。我带着不可知，迷茫和经过长期训练的傻傻的微笑上路了。是的，傻傻的微笑很重要，任何时候，任何地方。 Post by GAO @ 01:27 寂静的撒哈拉

01:26 Mhamid不是一个旅游区，这里非常靠近阿尔及利亚边界。摩洛哥与阿尔及利亚显然不是友好国家，边界关闭了很多年。连巴黎-达卡车队也尽量避开这个区域，除了不知从哪里钻出的巡逻队朝你开枪以外，还有传说中的沙漠悍匪，一股从西撒哈拉游荡过来类似海盗一般的武装力量，他们制造过很多血腥的新闻。凌晨，在进入撒哈拉的最后一根电杆前，新结识的朋友萨伊德（Said）对我说：“千万别往东边走，这里离阿尔及利亚才3公里，他们的雷达一早就能看见你，除非你骑骆驼，晚上穿越。”他指着一群无声无息的骆驼告诉我：“水，永远要带足够的水，还有骆驼。少一样你也活不下去，骆驼能帮你找到水源。” 我看着这群有着巨大软掌的动物，轻轻滑过沙丘，鬼魅般地消失在沙丘后。一直没有吭声的Cathy这是轻轻嘟囔了一句：“我要给妈妈打电话，我不想死在这里没人知道......" Post by GAO @ 01:26 巴哈巴的责任

01:25 三个小时后，我们上路了。萨伊德与我们同行。目的地是Nomad人的营地。撒哈拉5年没有下雨，部分Nomad人留守在营地看护方圆百多公里以内的唯一一口水井。我见到的第一个人是拿着望远镜四处观察的巴哈巴（Bahba）。萨伊德告诉我：“巴哈巴负责照看营地所有的骆驼。” Post by GAO @ 01:25 报警的孩子

01:24 当天晚上，望着漫天星斗的天空，我渐渐睡去，一切并没有想象中那么可怕，这个世界安静极了。第二天一早，钻出睡袋，抖干净与我共眠的一群大小甲虫，我对Cathy说：“我昨晚累了一夜，大小老婆全钻我睡袋了。” “你怎么知道它们全是母的？哦，我明白了，你这个家伙是双性恋，ACDC嘛......”Cathy找到了攻击我的话题，非常兴奋。一把沙子过去，结束了她下面的借题发挥...... 我钻进车里开始装胶卷，看见几个孩子向我跑来，大声说着什么，我没懂。下意识地感觉到似乎有事情发生。 Post by GAO @ 01:24 惊动的部落

01:23 朝孩子们手指的方向望去，营地的男男女女全部惊动了。人们朝一个方向疾步走去。我知道那里是水井。猛然间我意识到问题的严重性。难道水出了什么问题？ Post by GAO @ 01:23 困难的抉择

01:21 没顾得上叫Cathy，我飞快地跑到井边，挤进人群中，看到井底黑咕隆咚的。人们大声而急促地说着什么，似乎问题很严重。我茫然地看着大家，不知如何是好。 Post by GAO @ 01:21 准备

01:20 “中国人，你能帮助我们吗？”萨伊德抓住我的肩膀，瞪着眼睛看着我。 “能。” “我们需要水泵，离这里20公里，要绕道......”萨伊德的声音渐渐低了下去。 “走吧，往哪个方向？” “东......东边......”萨伊德抓住我肩膀的手慢慢松开了，眼睛不敢直视我。 “走！” 绕了很多沙丘，平常直线2公里的距离，我们走了将近20公里。终于在，摩洛哥的军事基地借到了水泵。 Post by GAO @ 01:20 焦虑

01:19 大家一声不吭地忙碌着，唯有巴哈巴在一旁低着头走来走去，不时探头看看井底，然后飞快地离开。眼睛始终不敢与任何人对视。这个时候我已经知道了，一头小骆驼掉进了水井。 Post by GAO @ 01:19 救援

01:17 萨伊德似乎有点回过神来，对我和后来赶到的Cathy说：“从来没有发生过，巴哈巴看到了，但是来不及赶过来，大骆驼争水喝，把一头出生才一个月的小骆驼挤进了井里。但愿真主保佑，水不要太深，还能有救。” 我安慰他：“5年没有雨水，不可能太深的，应该有救。”其实我心里丝毫没谱。 Cathy担心地问萨伊德：“水抽干了，需要多久才能回来，还能喝吗？” 萨伊德茫然地说：“不知道，我不知道......” 这时有人喊：“水来了，大水来了！” Post by GAO @ 01:17 短暂的快乐

01:16 在事情发生的前一天晚上，萨伊德不怀好意地问我：“中国人，你会功夫吗？” 我傻笑者说：“不会，但有可能在1秒钟内把你击倒。” 此后的三秒钟内，萨伊德被连续击倒三次。“你骗我！你们中国人都会功夫。” 我保持着经过训练的傻笑看着萨伊德没有出声。大水来了。人们从来没有看到过这么多水就这样流到沙地上，然后消失。 “中国人，脱衣服，来啊。”萨伊德突然非常兴奋：“你看我学会了你昨天的功夫。” 按下快门半秒钟后，萨伊德仰面摔倒。 “你踢得很棒，萨伊德。”赞美人是中华民族的优良传统，我没有忘记这一点。接着我也脱衣服去了......“ “女人回避！”几乎同时，这句话用英文，法文，阿拉伯文和Nomad语同时从不同的人嘴里喊出。 Post by GAO @ 01:16 告别

01:01 不能接受的事终于必须接受。巴哈巴看着这只小骆驼从井底慢慢被拉上来，软软地躺在他的脚边。他弯着腰，嘴里轻轻地说着什么，没有人吭声。刚才的喧闹一下子静了下来。 Post by GAO @ 01:01 走向终点

00:59 巴哈巴背过脸去，坐在井沿上。其他人把小骆驼拖到墓地...... Post by GAO @ 00:59 最后一眼

00:55 在墓地，我感觉到自己的脚底被灼伤了，11点钟的太阳居然把沙丘变成象煎锅一样灼热。大家飞快地离去，没有人说话。萨伊德突然坐到地上，向死去的骆驼看了最后一眼。 “也许应该把它埋了。”我这么对萨伊德说。 “不用，它会去应该去的地方的。” Post by GAO @ 00:55 无言的悲痛

00:52 又过了一天，早上起来的时候，萨伊德告诉我：巴哈巴在井沿上坐了一夜。我远远望见巴哈巴的白袍在风中飘动着，他一动不动。我走过去，拍了拍他的肩膀：“这不是你的错，巴哈巴。”他没有作声。在我转身离开的刹那间，我听到了中年男人的抽泣声。我没有回头。 Post by GAO @ 00:52 通往天堂的路

00:45 终于到了离开的日子。在发动车子的时候，我突然意识到有件重要事没有完成。我让大家等一会儿说再见。踩着自己的影子一步步走向墓地。三天前的小骆驼现在就这样出现在我面前。我回想起水，骆驼能帮我们找到水，带来生命。萨伊德最后告诉我的话“它会去应该去的地方的”让我在最短的时间内理解了在撒哈拉生命的关联，还有更多。这种安静的，给人类带来生命希望的动物，在最后一刻把生命的希望带给了其他生物，也许第二天会永远消失在沙海中，然后被永远忘记。它应该去天堂，我不能帮助它去天堂，但是我能在我的照片上为它铺一条通往天堂的路。我从来没有象这样地按下了快门...... Post by GAO @ 00:45 我觉得最困难的一张照片

17:24 用Polaroid 59转印的照片，具有不可复制性 Post by GAO @ 17:24 我觉得最打破常规的一张照片

17:21 Post by GAO @ 17:21 我最满意的一张人像

17:17 最近猛然发现，能引起我冲动地要按快门的东西越来越少了，不知道这是走向另外境界的阶梯还是否定现在的岔路。片子是越拍越少，底片是越拍越大。经常是花了2个多小时调校好一切后，突然问自己：我在干什么？然后喊收工。同事们莫名其妙，我听到她们背后议论说：这家伙难道提前更年期了？凯瑟琳-麦克阿瑟（Catherine McArthur）与我搭档很久了，前些天才知道她来自英格兰古老刻板的麦克阿瑟家族。以前总是一条破牛仔裤，坐在地上摆弄她的老相机，我的印象中她是个很"坚强"的爱尔兰女孩子。第一眼见到帕比-麦克阿瑟（Poppy McArthur）的时候，我的眼睛有点挪不开了，我看着这位8岁的孩子问凯瑟琳："我不能相信比你难看的你的哥哥居然生出比你漂亮的女儿来。"凯瑟琳抓住了每一次攻击我的机会说：爱上她了？恐怕你误了班车了。工作期间，帕比一直在离我一米的距离内转悠，不时地纠正我的发音和词汇：Johnnie,英语是英国的语言，不是美国的语言，不是吗？我承认我很喜欢这个小女孩，但真正吸引我的是一种扑面而来的由于受到良好教育而形成的成熟气质，还有眼神中的一丝伤感。我开始注意帕比，很快就成了无话不谈的好朋友了。帕比问了个我很难回答的问题：要什么时候，用什么方式找一个男朋友才能不让大人们愤怒？我让她去问凯瑟琳。我似乎看到了另一个将从贵族家族中走出来的孩子，不过开窍得早了。从这个时候开始，就想拍摄一张帕比的肖像。在帕比的弟弟们打雪仗的时候，帕比回到了屋里，我注意到了那个窗口和玻璃反射出来的帕比弟弟们的身影，还有顺着玻璃滑落的雪花。我终于等待到她停在窗口看着我的时候，立刻水平扭转机头，调整了镜头板角度虚化一些前景，更换了Polaroid一次成像片，拍摄了《窗口的帕比》。一分钟后，正像出来了。帕比不喜欢这张照片，她希望我把她拍摄成电影明星的样子，帕比的妈妈说：等她18岁以后会喜欢的。事后，我把负片在我同事的咖啡杯里泡了10分钟左右。 Post by GAO @ 17:17 第一幅被收藏的照片

17:11 ２００１年在法国西部城市Le Harve为一个剧团拍摄剧照和海报，这张没有发表的图片是话剧《Bal Masque》的剧照之一。被该剧团收藏。 Post by GAO @ 17:11 《艺术，商业，竞争》

17:05 艺术，商业，竞争高磊 2003年3月18日 14 Av Anatole France 94400 Vitry S/Seine Paris, France 走在巴黎街上或者地下，无法逃避各类影像的视觉冲击。在电子图像处理技术日臻完善的今天，或许有人会不屑地对着这些巨大的图片丢上一句：Photoshop！让我们把时间倒转10年，同样视觉新潮的图片同样地压迫着我们的视觉神经。如果在唐朝的时候就有人使用Photoshop 0.0的话，我们真的可以把这类的商业艺术划入电脑疯子游戏的范畴。然而，这些眼花缭乱的影像不经意地告诉我们：你来到了巴黎，世界上最优秀的摄影师聚集的地方之一，这是个灵感展露的舞台，或者说，你只需要看到灵感。与难以计数的摄影师一样，艾琳娜（Helene VEDRENNE）就在这个舞台上扮演着一个角色。这位来自法国南部的摄影师18岁拿起相机开始了自己的职业生涯，此后的每一分钟都在与银盐的接触中渡过，直到像素成为她工作的一部分。艾琳娜很法国，是一位与人交流没有距离感并附加丰富的面部表情和肢体语言的美丽女士。在她与好友安吉拉（Angeles ZARAGOZA）共同创立西蒙（Simone Choulle）工作室的初期，暗房和影棚是她生活的全部，由于生性害羞，艾琳娜极少与外界接触，埋头于各种技术，直到有一天她突然发现：在巴黎，没有广泛的社会关系，一个优秀的摄影师是很难立住脚的。环境渐渐地改变了她，而她也适应了巴黎这样的地方。从天空看下去，巴黎的街道呈放射状，从一个中心向四面八方延伸出去，并与另外的中心交叉融合，再高一点看，法国的道路以巴黎为中心，象蜘蛛网一样铺开。在这样的道路网络中行驶，常常会因为没有留意一个路口而迷失在一个意想不到地方，遇到一个意想不到的人，讲述一段意想不到的故事。艾琳娜在解释她为什么选择在具有残酷竞争环境的巴黎发展时，就这样回答了我。“我喜欢这个城市！”艾琳娜用她带着浓重法语口音的英语说出我听过不下千次的这句话，“这个城市显露的才华，给我灵感和想象力，这比竞争和生存更加重要。” 我推门进去的时候，艾琳娜张开双臂走过来，虽然我对这种法国人贴面亲吻并要发出啧啧声的礼节总觉得有点别扭，但是对我面前这位小巧的女士，却从来没有感觉到不自在。我的朋友们与我有同感：艾琳娜没有距离感。高磊：我发现法国人结婚会请一个专业摄影师到场拍摄婚礼的过程，从我看到过的婚礼照片来看，用纪实报道手法拍摄的占绝大多数。这与中国的情况完全相反，这种现场拍摄的事，在中国是交给朋友去做的，而真正制作考究的结婚照是到专门的婚纱影楼拍摄的。说到商业摄影，很多中国人会自然地想到门面漂亮的婚纱影楼，我在巴黎没有看到这种专门拍摄结婚照的摄影棚，你作为商业摄影师，主要拍摄哪一类的图片呢？除了拍摄图片以外，商业摄影师是否还有进一步的工作需要做？艾琳娜：专门的摄影棚拍摄婚礼照片？是你们的文化习惯与我们不同的缘故吧。我给杂志拍摄封面或插图，给设计师拍摄他们的作品，还有用于广告制作的图片，其中还有重要的一部分是拍摄肖像。我在完成图片拍摄以后，有时候还会提供版面设计的方案。高磊：在你为客户拍摄他们需要的图片时，是否会受到诸如表现形式等方面的限制？一般是如何与客户协调取得一致的？艾琳娜：通常你的客户需要看你的作品集，以此确定你的风格是否与他们的目的一致，然后你要为他们的产品设计拍摄方案，如果这一切都使客户满意，你可以按照约定的方案开始工作，把自己的风格融合到图片中去。给一些大公司拍摄图片，比如广告公司，会受到很多限制，他们会非常详细地告诉你各项细节，摄影师要做到的就是达到他们提出的要求，自由发挥的余地相对较小。高磊：同行之间有没有发生类似互相压价的恶性竞争现象？有没有相关的行业协会或者条文来规范摄影师的市场行为呢？艾琳娜：这种情况在一段时间里曾经发生过，压价导致图片质量下降，这个结果无论是摄影师还是图片使用方都是不能接受的，在大多数人意识到恶性竞争的后果以后，这种丑恶的竞争方式逐渐消失了。法国人在行业保护方面没有英国人做的那么系统化，前几年有些广告公司试图通过模仿图片库作品拍摄，甚至通过截取别人的图片，然后采用“蒙太奇”拼凑的方式来降低图片购买成本。这些现象现在也消失了，在不断犯错改正的过程中，摄影师的价值渐渐地清晰起来，最终我们得到了能够静心创作的氛围。高磊：如果一个商业摄影师能够避免市场丑恶现象的干扰而潜心拍摄的话，他/她可以通过那些方面来提高自己作品的竞争能力呢？艾琳娜：我想商业摄影需要从技术和风格方面来考虑提高自己。商业摄影无可避免地需要掌握器材的运用技术，特别是在数码技术逐渐成熟的今天，更多的东西等待着摄影师去了解和实践。摄影技术无可置疑地非常重要，可是我自己认为表达风格和表达方式才是最重要的。在同行们都掌握了相同技术时，想象力才是最后属于自己的东西，还是想象力才是立足的资本。高磊：我完全赞同你的说法，与众不同才是自己。在从事“任务拍摄”的时间以外，什么样的题材会吸引你去拍摄？同时我注意到你很喜欢用宝利来（Polaroid）一次成像片进行创作，这种胶片是否与你的想象力表达比较吻合？艾琳娜：我会留意在不同光影下的人，这可能属于个人喜好，我觉得同样的东西在不同的光影下会让人产生不同的联想，形成不同氛围，如果这种氛围可以感染其他人的话，就会吸引我去拍摄它。我确实喜欢使用宝利来胶片，它不仅给我满意的画质，同时它具有其他胶片所没有的特殊感觉，这种感觉与我追求的氛围环境互相吻合，所以我常常使用它。从事传统摄影的创作，我觉得宝利来胶片具有其不可替代的特点，比如将正在显影中的图像转移到其他介质上，或者将成像后的正像部分揭下等方式，这扩大了我创作的自由度。高磊：对于拍摄人，人的肖像，你在构思的时候会注重哪些方面？艾琳娜：我想首先是考虑光影形成的氛围，而最终是这种氛围需要符合人像的故事感。每个人都有自己的性格，如果在一幅肖像中能够讲述出这个人的故事，那就是成功的肖像摄影。你们中国人不是有“形似和神似”的说法吗？其实做到神似是很不容易的。摄影师需要运用想象力，用光，色彩和形态来表现这种神似。高磊：你是通过什么办法激发自己的这种想象力的？数码技术对发挥这种想象力有直接的帮助意义吗？艾琳娜：想象力来自交流。不同的人对事物的诠释会有不同，通过交流可以感受到别人是如何看待这个事物，而他/她又是如何去表达的，这实际上是个学习过程，无论交流对象是职业的或是业余的，他们都可以是你的老师。技术水平是一个商业摄影师所必需具备的，但在竞争中需要赢靠的是想象力和随之产生的灵感，巴黎具备这种交流的氛围，我会留意各种展览和展示活动，接触来自世界上不同地方的人，这些都会帮助我产生各种想象，以此激发灵感。数码技术对表达和发挥想象力是非常有用的，我同时使用胶片和数码，在确定我的照片需要表达的内容后，我会选择适合的方式来实现，无论是胶片或者数码，这些都是工具。高磊：我看到你拍摄的《卡利姆先生-1》的肖像是采用宝利来胶片拍摄的，能否就如何制作简单介绍一下？如果用数码技术是否可以模拟？艾琳娜：这是用4x5相机和宝利来一次成像片拍摄的。把正常显影后的正片在热水中浸泡，使药膜面与纸基脱离，然后揭下这层带有图像的药膜将它放置在水粉纸上晾干。方便的创作方式可以采用Daylab来做，Daylab是宝利来公司的产品，它的作用是可以将幻灯片的图像投射到宝利来胶片上产生影像，然后做进一步的处理。一般来说，可以用比如135正片拍摄，然后将正片通过Daylab将图像拷贝到宝利来59彩色胶片上，进一步处理可以是“乳剂脱离”（Emulsion Lift）或者是“乳剂转移”（ Emulsion Transfer），这些属于传统的制作工艺。数码技术可以模拟这些效果，但是离逼真的程度还是有距离的。高磊：你在从事商业摄影的过程中，除了考虑对自身技术和风格方面的提高以增强竞争能力，是否对市场也需要关注？你是通过什么办法来建立和发展与客户的关系的？艾琳娜：商业摄影师不可避免地需要直接面对市场。我在伦敦工作过一段时间，与英国人相比，我们没有象英国一样的专门机制为摄影师服务。法国摄影师很独立，需要亲自推销自己，口碑和广泛接触是最重要的。与各种相关人士接触并建立联系，调动自己的一切才华，适时地展示自己的作品。有的时候我甚至感觉到与社会各界的接触要比完善自己的技术更能使一个商业摄影师成功。高磊：非常感谢你的介绍，我想这个话题对中国的商业摄影师是有参考价值的。 Post by GAO @ 17:05 《推开这扇门》

16:58 《推开这扇门》 2003年1月20日 14 Av Anatole France 94400 Vitry S/Seine Paris, France “在他家里，我们一起用完餐，在沙发上坐着。我意识到眼前的这个人是我50年来相处最密切的老朋友，我轻声对他说：你在我生命中很重要，亨利。他望着我回答：你也一样，乔治。” 乔治费佛尔（Georges Fèvre）坐在我的面前，回忆着去年冬天与布勒松（Henri Cartier-Bresson）的这一幕。今年冬天巴黎爆冷，近75岁的乔治病了，他坚持不取消我们这次会面，客厅的暖气很热，乔治脸红红的，接着他的故事。 “我们两人走出电梯，去给他的基金会选址。他的太太马丁（Martine Franck）已经把车停在门口等我们了，上车后，他问马丁：我们这是去哪里？马丁一面开车一面轻声地告诉他：我们去看看你将来的新家，布勒松基金会(Henri Cartier-Bresson Foundation)。” 乔治的眼神有点迷离，他的好朋友们都老了，有的走得很早，这些记忆正在他的眼前再现。他拿出一张1981年拍摄的照片，画面上一条欢快的狗在沙滩上奔跑。乔治若有所思地说：“这个地方非常美，我女友的家就在离此不远的地方。这张照片拍摄后没过几年，她就去世了，她的家人希望我经常回到那里看看。25年前，我们骑摩托车从法国边界翻越阿尔卑斯山到意大利，回程的山路上遇到大雾，天很冷，更糟糕的是油表显示快断油了。我不敢告诉她我们要遇到的麻烦，她在后座不知情地唱着歌。快到山顶的时候，意外地发现一个废弃的电话亭，由于寒冷，我无法控制抖动的双手，停下来，与她一起挤进窄小的电话亭，我用一条链子把摩托车与我的脚踝联在一起，就半蹲着睡着了。醒来后天气还是很恶劣，我们互相激励着从山顶往下滑行，终于在我们到达目的地之前，断油了，但是天空豁然变得非常晴朗，天真蓝。她脱去衣服，躺在雪地上，阳光下，我看着她的金发很耀眼，眼泪从她的眼睛里流了出来……”乔治直视着我说：“孩子，我很想念她。”这个眼神我很熟悉，隐隐闪着泪，上次看到同样的眼神是乔治对我说：“我在暗房工作的第40年的最后一天，接到一个电话，杜瓦诺（Robert Doisneau）去世了，那是1994年。” 一年前与乔治第一次见面时的情形还是那么清晰。当时同桌的人在谈论马格南（Magnum）图片社，卡帕（Robert Capa）的《西班牙士兵之死》和布勒松的“决定性瞬间”，坐在一起的一位老人始终没有吭声，从头到尾抱着他磨得铮亮的尼康相机，微笑着听着我们高谈阔论，没有人注意到他的存在。乔治就象欧洲某个城市小巷中的一扇不起眼的门，路过多次不一定会发现，打开一看，一段历史就在眼前。1930年1月2日，乔治出生在巴黎，70多年来看着这个城市的每个角落演绎着不同的故事，默不作声地听着不同的人讲着巴黎故事。我四周环顾着客厅的照片，这些在我出生以前就存在的照片，以前在画册上见到过多次，我能知道这些照片出自谁的手以及照片背后的故事，它们在灯光下展现着漂亮的影调，象是今天早上刚装裱但镶嵌在老旧的画框里。这些照片都是乔治在暗房里印出来的。乔治轻声地在自言自语：“中国，亨利去过中国，拍了很多照片，不一样的中国，中国很大。” 我把一份有乔治名字的去年11月6日的《人民摄影》报递给他，说：“乔治，在欧洲，北美和日本很多人知道你，现在中国也有很多人开始了解你了。” 乔治一把抓住我的手，站了起来，很兴奋：“我们可以谈一夜！”接着象孩子般地笑了起来，这让我想到有一次乔治非常兴奋，在大街中央跳起了探戈。与乔治的谈话注定要与一些名字联系起来，通常情况下，人们介绍乔治会这么说：“乔治费佛尔是黑白暗房大师，长期担任布勒松，杜瓦诺……等的私人印相师……”但据我所知，《睁开的眼睛》（“L’ œil Ouvert”）一书是把乔治作为摄影家与布勒松等排名在一起的。与乔治的谈话就由这个话题开始了。高磊：乔治，我知道你有很多作品在世界各地举办过个展，被收藏。近期在巴黎也有你的个展。虽然大多数人认为你是黑白暗房的大师，但我很想知道你是什么时候开始拿起相机，以职业的身份开始摄影的？乔治：1956年我为一家英国人的“大西洋出版社”（Atlantic Press）拍摄舞台剧和新闻报道。当时那些演雨果的《悲惨世界》（Les Miserables de Victor Hugo）剧本的年轻演员，后来几乎都成了大明星了。我至今还保留着那个时候的照片和底片，象“费加罗的婚礼”（Le Mariage de Figaro）的剧照，我的职业摄影师生涯最早开始是在1950年。高磊：后来是什么原因使你把大部分时间用于暗房了呢？那时巴黎还有其他人在从事专业的后期制作吗？比如今天的Janjac和Dupon？乔治：那是在1953年初，一次马格南的组织者聚到一起，有卡帕，亨利，切姆（David Seymour-Chim）和罗杰（George Rodger）等，他们对皮埃尔-格斯曼（Pierre GASSMANN）说：你们的暗房做的好，以后帮我们印照片如何？当时我在Picto负责黑白暗房制作，就这么简单，我就干这个了。我记得很清楚，亨利曾经说：每个人都有可能用一台照相机拍摄到照片，但不是每个人都能成功地在暗房印出完美的照片来。我认为他说得对。后来我的大部分时间就在Picto工作了，为马格南的摄影师们做暗房。那个时候巴黎还没有其他的专业后期制作机构，我们的服务对象主要是马格南图片社的摄影师和一些自由摄影师。Picto创立初期一共7个人，今天Picto的规模很大了，在法国的6个城市有制作机构，南非也有分部。在巴黎就有8家分店。Janjac和Dupon是后来才有的。高磊：50年来，你为很多不同的摄影师制作他们的照片，是如何把握各人不同特征的？如何了解每张照片需要表达的尺度和表现的风格呢？我很想了解摄影师与后期制作之间是如何协调统一的。乔治：应该说我很幸运，上帝对我很眷顾，我总能知道他们需要什么样的照片，哈哈哈，上帝知道。高磊：不不不，乔治。上帝的电话因为欠费被停了，我无法联系到他…… 乔治：对熟悉的人，我很清楚他们需要什么样的制作，有的时候走在街上看到一个场景，我会很自然地想到这是罗杰会拍的照片。但有的时候会遇到一些麻烦，我会印出试样征求他们的意见，一次不行就两次。很多时候，摄影师本人无法用语言向我说明白需要把照片制作到哪种感觉，他们心里并不存在一个明确标准。我凭着自己的理解，尽量地“准确”表现影调和反差，接近他们的想法，而他们总会说：乔治，这简直棒极了，很多次切姆的照片就是这样印出来的。这个时候我心里非常满足。高磊：这种默契可能来自经验，时间和密切的交流。你有没有接到有问题的底片呢？比如划伤，污染或者曝光显影出了问题的底片？而这些照片却是极其重要的。遇到这样的麻烦事，你是如何处理的呢？乔治：经常接到这样的底片。他们怕底片曝光不足，这些胶片来之不易，所以会由于紧张而显影过度，有的甚至黑黑一片。划伤污染是常有的事。但他们总是期待我制作出杰出的（Masterpiece）照片来。我曾经为了对付显影过度的底片，把放大机的灯泡换成2000瓦的，更换底片的时候，强光曾刺伤我的眼睛。布勒松拍摄的巴列维（伊朗前国王）和甘地的照片在制作过程中就比较麻烦，我先印出反差较低的照片，尽量保持最多的细节，然后在这张照片上修除划痕和瑕疵，再让同事用大幅相机翻拍，通过显影控制反差，最后用这张大底来制作。一次复杂的制作，常常需要在暗房熬几个通宵，我走出暗房回家的时候，会感觉孩子终于出生了一样地轻松。高磊：我们通常借助不同的工具来控制后期制作的效果，比如遮挡。你似乎一直就是靠自己的双手来达到目的的。我尝试过，这非常困难，我必须依靠工具和仪器来实现。有什么奥妙吗？乔治：这是上帝的礼物。高磊：你知道，乔治，上帝很忙，因为记性不好而经常忘记给我们礼物。乔治：你曾经问过我50年来大概用了多少相纸，我没有统计过，我想有上百万张，后来的RC相纸印相，我的伙伴们经常每天要制作上百张照片。刚开始的时候，上帝就给了我们一个头脑，一双眼睛和一双手，凭自己的感觉用心去做。你知道什么是镜头的感觉吧，印相也一样，是对光的感觉，这些来自积累。我提倡使用工具和仪器来控制品质，科学技术使我们缩短了积累的时间。高磊：对于黑白摄影来说，我们在释放快门前，就应该“预见”到后期的影调，那么对于暗房制作来说，是否也有类似“预见”的说法？乔治：这是两个相关的过程，但不相同。摄影师纪录光，得到具有满意密度的底片，暗房的工作是还原摄影师的“预见”。具有满意密度的底片是暗房创作的基础。有很多不同的办法可以实现不同效果的黑白暗房制作。高磊：你是否可以就放大机的选择，相纸以及与之相亲和的化学药剂的选择谈一下你的经验呢？乔治：黑白暗房的制作是很个性化的，首先需要决定照片最终会是什么样的，这也许就是你说的“预见”的意思。可以根据摄影师的风格和图片的内容来决定采用漫射式放大机或者透射式放大机，这两种不同的放大机会产生不同的影像表现。一般来说，漫射式放大机很适合用于人像等反差柔和的图像制作，透射式放大机适合表现刚性的，反差和颗粒感强烈的图像制作。我说过，黑白暗房制作是很个性化的，你完全可以用透射式放大机制作人像，只要符合照片需要表达的内容。透射式放大机可能会把底片上轻微的瑕疵，比如轻微的划痕，清晰地印制到照片上，以后的修像需要格外细心。虽然今天的涂塑相纸（RC）已经做得非常好了，我个人喜欢使用传统的纸基相纸（FB），博物馆和收藏家们接受纸基相纸。纸基相纸使用比较麻烦，不能象涂塑相纸那样用机器在不到2分钟的时间内显影烘干，但它产生的图像品质是令人满意的，我喜欢用这种银盐涂布比较厚的相纸。记得有一次，我把一张曝光后的爱克发（Agfa）相纸放进了显影液，因为一些其他事情的干扰，20多分钟后才想起它还泡在显影液里，我叫助手把它拿出来，你不能相信，这张高调的照片在高光部分产生的影调是那么漂亮。显影剂的选择，我的建议是尝试不同的配方，但用精一种配方。不同的相纸需要做试验，即使相同的相纸，如果不同包装也需要做试验，这是大家都知道的。高磊：乔治，在印制好一张黑白照片以后，有什么办法验证影调的表现是否在暗房技术上还存在缺陷？乔治：一般说来你可以使用灯箱来观察底片的高光部分和照片的阴影部分。相对来说，照片的高光部分容易引起人们的重视，而阴影部分的细节容易被忽视。把印好的照片放到灯箱上，会发现是否有些需要被表达的暗部细微影调被忽视了，然后再重新制作。可以采用遮挡，变换显影液，局部显影，或者减色等不同方法处理。高磊：欧洲人在黑白暗房制作方面积累了很多经验，也创造出具有不同风格类型的制作方式，这些方式包括制作单色调（toning），混合色调(selective toning)以及手工上色( hand coloring)等。您认为这些风格是否属于传统主流的制作方式？一般应用于哪些方面呢？这些不同的制作风格/方式应该如何掌握呢？乔治：制作不同色调的黑白照片属于主流的制作方式，在精细艺术方面的运用比较多。这些不同色调的组合形成不同的风格，着色的步骤是在明室进行的，药液的温度和化学反应的时间是关键，一般用肉眼掌握，技术上没有很大的难度，但是要形成一种风格是需要经验和积累的。当然，我还要提到上帝的礼物，一次漫不经心造成的错误，往往创造一种新的制作方式，比如显影时的中途曝光（solarization）。总之，打开暗房的门，不断地实践积累，你就有可能得到上帝的礼物。高磊：乔治，你的子女都在从事摄影工作。你的大儿子连续两次获得全法体育摄影比赛的金奖，这样的比赛每5年举行一次。我想知道，他是否使用胶片相机，或经常出入你的私人暗房呢？乔治：孩子。我知道你不想刺激我，你在绕着弯子提问题。我觉得数字技术应该取代传统的暗房技术。我儿子基本不来我的暗房，他用数码相机拍摄。我的暗房现在能起的作用就是把以前收藏的胶片制作成相片。我曾经问过你是不是我需要买Apple（“苹果”电脑），只要你不再推荐我买Orange（“橙子”，也是法国主要电信营运商的名字）就行了。我准备学习电脑。高磊：乔治，今天我很惊讶地听到你对数码的看法。你对我的影响很大，以前是对工艺制作的精益求精，现在是对新事物的态度。趁你还在黄金年代的时候，把你的故事写出来吧。乔治：大家都在互相影响，很多人也劝过我把这段经历写出来。等4月份亨利的基金会开幕后，我是要开始考虑这方面的事了。高磊：乔治，我希望让中国的读者能看到你拍摄的照片，并告诉他们你首先是个摄影师，同时也希望能早日看到你写的故事。乔治：我很高兴能有机会与中国的同行交流。马丁和马克吕布也去过中国，他们对中国的摄影家评价很高。希望有机会能去看看。《睁开的眼睛》（“L’ œil Ouvert-Un Parcours Photographique 1983-1998”）作者：Patrick Roegiers，出版：Nathan Pierre GASSMANN：Picto的创建人。 Picto：巴黎最早的专业图片制作，输出机构，创建初期主要为马格南图片社做图片后期制作。 ****Janjac，Dupon：巴黎专业图片制作，输出机构。 Post by GAO @ 16:58 《在银盐与数码之间游走》

16:52 《在银盐与数码之间游走》 2002年11月14日 14 Av Anatole France 94400 Vitry S/Seine Paris, France 高磊我的房东老太太是个退休的钢琴教师，一次到我住处闲聊，饶有兴趣地走进我的暗房，拿起一张试样片说：这样的片子我建议你不要用涂塑相纸（RC），最好用纸基（FB）相纸，不然可惜了。我非常有兴趣地问她：你也摄影吗？她笑着回答我：不，社区有一些喜欢摄影的家庭妇女，我经常去看她们的照片。类似这样的问答我遇到很多次，但没有一个对象是专业摄影师。法国人对图片制作的质量，似乎一眼就能看出好坏来。不由使我想起在国内的时候，为了买到依尔幅的黑白相纸我专门跑到杭州，没有选择尺寸的余地，也没有选择可变反差或者不同纸基的机会，只有兴高采烈地抱回家，然后在洗手间印出一张张照片。终于有一天，一些在美国的摄影朋友带回来他们的片子，大家聚集杭州，比较后惊讶地发现，同样的依尔幅涂塑相纸确是完全不同的样子，图像质量可想而知。在为了得到一卷柯达Tri-X胶片而需要打无数电话预订的窘态下，摄影师的才华被部分禁锢住了；在向冲印店技师再三叮嘱图片输出要求的时候，摄影师的创造力被部分剥夺了。中国的摄影师活着累。在有限的物质空间寻找突破的过程中，很多摄影师没有条件直接接触能延伸他们艺术发挥的技术方法，也没有机会亲身感受什么是高质量制作的标准；在狭小的获奖通道中，按着“大师”的棋谱厮杀，中国的摄影师活着真累。我选择了到巴黎学习摄影，因为这里是摄影术的发源地，也是现今各种流派，主义的集结地。我要亲身接触这些在另外的时区同样拿着相机的人们，看看他们在干什么，想什么。巴黎摄影学院（Speos, Paris Photographic Institute）是一所同时用英语和法语授课的学校。对全日制的学生从传统银盐到高端数码，从新闻纪实到影棚摄影进行了全面系统化的训练。巴黎市众多的博物馆，展览馆和永不停顿的各类作品展示，为学生提供了丰富的人文环境和艺术氛围。从这些老师身上很容易地链接到一些在世的或去世的摄影大师的故事。我记得有段有趣的对话，老师要我说出记忆最深的摄影家和他们的特点，我回答很干脆：布勒松，决定性瞬间。老师回答更干脆：我们有个一个布勒松，不需要一百个。这句话在一秒钟内让我懂得了对大师的尊重与不拘泥之间的关系。接着是每个学生入学的第一次作业，没有提示，没有具体要求，拍摄一幅照片----苹果。这不是一次摄影水平的例行检查，而是对每个人观察表达方式的摸底，这些上缴的照片中表现了生命，性，死亡，环境，思索，运动，循环以及看不懂的一切。老师肯定了每个人的自由表达方式，我想这不仅仅是因为对人个体的尊重，而是一种接受事物多元论的哲学。评语很简单：在坚实的技术基础上自由表达，没有公式，大师就是你们自己。开学时的这段插曲一下子让我用一种肆无忌惮的眼光开始重新打量摄影。乔治（Georges Fèvre）已经七十多岁了，在暗房浸淫了一辈子，显然他不属于数码时代，他刚探望过布勒松，告诉我们他的这位朋友真的老了，我们站在数码的坐标点上回头向他们那代人留下的里程碑敬礼的时候，我突然产生一种不可明状的失落：难道时间真的能够把一段辉煌塞到厚厚的书页里，让它渐渐布满灰尘？我问乔治：用电脑一次可以完成精确的后期制作，传统暗房还有什么存在的意义呢？我知道这是个很可能伤害他的一个问题，乔治告诉我：这是不同的方法在做相同的光的游戏，在暗房里我感觉自己就是光。我们亲眼见到乔治用一双苍老的手，抓住那一束光，把它扭转，挤压，然后放置到它应该去的地方。在我按住Photoshop的自动功能按钮的时候，我总会想起那双苍老而充满魔幻的双手，恍然明白一种全身心的投入和痴迷一直存在于每张经典画面的背后，但人们没有记录它，电脑便捷的自动按钮使我们忽略了这种认真投入的过程，失去了体验这种认真投入构建扎实基础的乐趣，而这种认真应该在摄影师的血液中浸透，溶解。有趣的是，当今在巴黎当红的一些摄影师在使用了高端数码设备工作一段时间之后，又回头来重新认识光，对他们进行培训的让（Jean Vasseur）彻底地摧毁了人们对三原色构成色彩的固有概念，把他们领回到黑白灰的世界，从头开始。乔治的那双手再次出现在我眼前。在巴黎学习期间，我一直保持着跟国内摄影朋友的联系。他们希望与国外摄影师水准同步的迫切愿望让我非常感动，但有些人急功近利的浮躁心态也令人担忧。去年8月份回国期间，与曾璜先生就摄影的话题海阔天空地聊得很投机。在谈论到对一些摄影大师的认识和对摄影本身解剖的时候，曾璜先生把一种担心用两个字来概括：误读。这种由于缺乏系统化全面实时交流带来的误读，东西方摄影师之间共同存在。这次的谈话促使我产生了对一些欧洲摄影人访谈的想法，就国内摄影界感兴趣的话题走访这些专业人士。希望能够让人们从不同的角度了解这些专业人士的思路。皮埃尔（Pierre-Yves Mahe）是我第一个走访对象，在1984年创立巴黎摄影学院之前，他是位商业摄影师，与Gorden Brown()和Richard D. Zakia()共同著有《Stop-System》（《分段曝光系统》）一书（该书是巴黎摄影学院传统银盐摄影教学的基础教材）；是法国著名代理商PROPHOT()的董事；在从事摄影教育的18年期间，培训了大批在法国的APPLE，CANON，FUJIFILM，KONICA，MINOLTA，NIKON，POLAROID，GAMMA等机构的技术人员和摄影师，以及来自世界各地学习摄影专业的学生；1999年7月，开始修缮摄影术创始人涅普斯（Nicephore Niepce）的故居，收集整理涅普斯发明摄影术的手稿并拥有对故居的管理权。2002年建立Pixoclock图片银行。皮埃尔的摄影教学方针是一切符合市场需求。在数码摄影技术到来之前，他已经着手调整巴黎摄影学院的教学内容，为此受到业内同行的嘲笑。皮埃尔在巴黎摄影学院确立了传统银盐摄影是跨入数码高端的技术基础的概念。要求全日制学生全面了解摄影技术的变革过程，进行高强度实际操作练习，毕业后能直接胜任工作。多年来学院与如玛格南（Magnum）图片社和ELLE杂志社等机构建立直接联系，为毕业生提供不同类型的实习机会。对皮埃尔的访谈是从对摄影术起源的重新认识开始的：高磊：去年见到您的时候是在涅普斯拍摄第一张照片《窗外的庭院》的工作室，那间阁楼。当时您站在那间窗口，我注意到您的裤腿上有泥巴，很象钓鱼回来的农民。这一年来有什么新的发现吗？皮埃尔：实际上从1999年7月1日开始，我和我的同伴就开始修缮复原涅普斯的工作室了，因为有原始的手稿和照片留下来，我们可以完全恢复当年涅普斯的工作环境，并按照他的实验程序，拍摄出相同的《窗外的庭院》。我每年需要花一半的时间来照料故居，2003年的6月可以全面完工，到时候将会把这幢房子变成博物馆。我在整理故居的时候，从地窖里发现了几瓶红酒，相信是涅普斯那时候存放的，不过我们把它喝了，这算不算新发现？哈哈哈。高磊：我以前了解到是法国人达盖尔（Louis Jacques Mande Daguerre）发明了银板法，很少有资料介绍涅普斯，他们两者之间是到底是谁先发明了摄影术呢？皮埃尔：是涅普斯。他与达盖尔是同一时期的人。涅普斯在法国东部乡村用沥青涂布在抛光金属板面。让光线通过装置在封闭木盒上的透镜，长时间曝光并保留住影像（Heliography）的时候，达盖尔在巴黎忙着展示他的透景画（Diorama）。达盖尔也尝试了保留光影的实验，但没有成功。1829年涅普斯和达盖尔开始合作研究。 1833年涅普斯去世后，达盖尔独自继续这方面的研究，到1838年发明了达盖尔银板法（Daguerreotype），就是我们一直使用的银盐获取和保留图像的方法。所以说涅普斯在1824年发明了摄影术，达盖尔在1838年发明了银板法。高磊：1816年涅普斯拍摄了第一张照片，但无法保留影像。直到1824年发现用阳光摄影法（Heliography）保留影像的方法，现在保留下来的1827年的这张用该方法拍摄的《窗户外的庭院》，我们是否就认为这就是第一张照片？涅普斯有没有拍摄其他照片并留下来？皮埃尔：是的。当时的图像主要采用蚀刻法( Etching )留在金属板上的，这些金属板被反复使用，原先的影像会被刮去，保留至今的只能是其中的一部分，我们无法知道在1826年到1827年之间涅普斯拍摄了多少幅照片。他在寻找拾取和保留影像方法的实验中尝试了很多不同的方法，用阳光摄影法（Positive-negative bitumen heliography, unetched）获取并记录影像才是摄影术的开端。高磊：除了对其历史性的考究，反观涅普斯和达盖尔的发明，这对解构今天的影像纪录有什么现实意义？对使用数码摄影的摄影师来说，了解这种传统摄影的方式有必要性吗？皮埃尔：我想今天不会再有人用涅普斯的方法来记录影像了，人类一直在拓展传播技术，就象电子邮件代替电报一样，我们知道人们是会接受新的图像记录方式的，今天不会有人争论是应该用金属板还是用纤维基来纪录图像，因为关键是在于图像的无损保存和传播，而不是应该用什么来保存。对一个摄影师来说，需要知道从光到影像保留的历史过程，知道银盐技术，因为摄影技术的理论和发展都是在使用银盐的过程中产生和成熟的。不论是用银盐还是像素，记录的是光，摄影师需要具有对光的把握能力，这是反观历史的意义。高磊：您是什么时候将数码概念纳入摄影教学中的？当时人们的反映如何？现在的反映又是如何？数码摄影在许多领域逐渐被接受，这对今后的教学大纲会有影响吗？皮埃尔：10年前我们就有了第一批“苹果”电脑，虽然没有象今天这样将数码技术贯穿摄影全过程，但是我们已经有了这方面的预感。我当时就鼓吹电脑技术与摄影技术的联合运用，当然今天看来当时的想法很幼稚，我受到了来自行业内专业人士的嘲笑。1994年，数码摄影正式成为教学内容，我们知道社会需要掌握了数码技术的摄影师。现在大家逐步认同了数码技术，《PARIS MATCH》杂志曾让所有的摄影记者带好自己的摄影器材集合，老板告诉大家：现在把你们的机器都扔到垃圾桶里去，我们改用数码相机了。玛格南图片社希望我们帮助他们把图片库数码化，一些图片社解除了与签约摄影师的合同转而向世界各地的自由摄影师索稿，至少这是由于数码图像传送便捷带来的后果。我们正在为一些知名机构培训数码摄影，数码后期制作和数码输出方面的人员，其中包括巴黎EPSON公司的技术人员。在巴黎，一个平常的数码摄影师要比一个优秀的传统摄影师更容易找到工作。银盐技术作为记录影响的手段，早晚会象蒸汽机车一样，只有在博物馆才能看到。高磊：是下下个世纪的人们象我们今天看涅普斯的博物馆一样吗？皮埃尔：哈哈，你能活到那一天的。即使如此，教学上不会放弃传统银盐摄影，毕竟数码摄影师不是电脑平面设计师，摄影师的工作是从概念和对光的把握开始的，他掌握了数码相机拍摄技术，用电脑处理图像和输出的技术，就是数码摄影师了。后期的数码处理无法替代摄影师的拍摄思想和用光线雕刻概念的创造力，而这种创造力是由银盐摄影积累的理论和实践经验作为背景的。数码摄影师不能不知道传统银盐摄影，所以我们还是用《分段曝光法》（Stop-System）作为教学的大纲。当世界上绝大多数摄影师逐步全面掌握了数码的成像，制作，输出技术以后，我们的教学方向会转向如何使用数码技术，更加清楚地认识光本身，精确地用光线来创造极端品质的图像，而不是在电脑上用数码技术制造。高磊：您刚才提到了“分段曝光法”（Stop System），是否谈谈它与“区域曝光法”（Zone System）有什么不同？皮埃尔：“区域曝光法” 是针对通过曝光和显影获得理想密度的底片而言的，对于使用大幅技术相机的摄影师，“区域曝光法”提供了“预见”影调的理论。“分段曝光法”是为使用筒装胶片的摄影师写的，现代胶片的宽容度和相机的测光准确性，使得到满意的底片密度变得简单了，“分段曝光法”重点在底片显影后的制作方法，也对影棚摄影的布光和曝光测试提供了参考标准。高磊：9月份我在PHOTOKINA看到了一些摄影器材供应商已经重组了新的产业链。比如ILFORD推出的数码输出耗材代替了以往耳目能详的胶片，相纸和化学药剂等产品。人工光源产品新推出的适合数码的灯光系统特别引人注目。以ILFORD为例，在他们的喷墨打印纸包装盒上带有包含ICC Profile的条形码，不同批量生产的纸张带有不同的这类条形码，这些编码通过一个手持扫描器可以直接输入电脑并自动嵌入打印程序中。我与ILFORD的技术人员交谈后得知，他们与EPSON共同编写了这些ICC Profile，使ILFORD的喷墨打印纸与EPSON STYLUS PHOTO高端打印机非常具有亲和力。这样的例子几乎充斥了这届PHOTOKINA。材料制造商往往是对市场最敏感的，也是最早全面地进行市场分析预测的，从这个角度来看，是否可以说数码技术以超出我们想象的速度，全面地，系统化地进入了摄影领域？皮埃尔：说的对。高磊：数码摄影的创作自由度和对准确性的把握比银盐摄影更大，我在学习和工作中体会到了这点。但对一名职业摄影师而言，完成从银盐到数码的过渡，除了解除心理戒备以外，还需要什么具体的准备？皮埃尔：对光的准确把握。以往摄影师会怀疑胶片，冲洗等因素使他无法达到对图像的品质要求，现在直方图立刻可以告诉他：老兄，是你自己的问题。摄影师可以立刻调整到符合要求，如果看不懂直方图，说明这个摄影师需要这方面的训练。然后就是对色彩管理系统和文件格式的全面了解，至少应该知道如何用图像软件，比如PHOTOSHOP来对图像进行后期处理，传输和版权保护。高磊：我一直怀疑数码的输出能力是否可以达到我们心目中对黑白影像的品质标准。我想数码摄影对银盐摄影的全面替代无法回避这个问题。您是如何看的？皮埃尔：这是个技术性很强的问题，必须由象让（Jean Vassuer）这样的专家来回答你。他一直与EPSON保持密切联系，我想这一定是个让他头痛的问题。高磊：我打算与让专门讨论数码成像的特点，方式，色彩管理和输出等方面的问题。我想这些对中国的摄影师们系统了解数码摄影的过程有帮助。皮埃尔：让在帮助一些摄影师转向数码，他能够告诉你想知道的，我认识他15年了，到今天还是觉得他是最棒的。高磊：我觉得奇怪的是：互联网商务走向低谷的时候，您投资开发Pixoclock图片银行，这么做似乎不合常理。皮埃尔：两个理由：Pixoclock是在我们现成的产业链中加入一环，没有孤立竞争的压力。还有这是让想做的事，一次我们俩喝酒时提起的，为了朋友高兴，就做了。Pixoclock为自由摄影师提供了图片销售的渠道，我们不收佣金，图片收入全归摄影师本人，加入这个银行的摄影师需要交纳年费，我们靠这个收入来维护Pixoclock的运行。高磊：如果我们现在站在Niepce当年拍摄《窗外的庭院》的阁楼窗边，拿着Leica旁轴相机在大谈数码摄影的话，您会有什么感觉？ Pierre-Yves：哈哈哈。Niepce告诉了我们如何能够留住影象，银盐胶片让摄影艺术走向成熟，数码技术会怎么样呢？你怎么看？高磊：让摄影与思维同步起来？哈哈。 Gorden Brown: 在Eastman Kodak公司工作33年，从事黑白摄影产品研究和教学。Kodak公司的Technical Pan胶片和T-max胶片主要由他负责推向市场（其中T-max胶片是由Gorden命名的）。目前以Kodak大使的身份在全美作巡回摄影讲座。 Richard D. Zakia：Richard教授在RIT从事摄影教学32年。在加入RIT前是Kodak的工程师。与Minor White共同著有《The New Zone System Manual》。与John J. Dowdell III共同著有《The Zone Systemizer》。与Les Stroebel博士合作编辑1994年摄影百科。 PROPHOT: 巴黎专业摄影材料供应商。50年来，该集团为专业摄影人士和机构提供全面的摄影材料，是法国主要的摄影器材和耗材的代理商。 Post by GAO @ 16:52 《追逐阳光》

01:15 现在我拿起相机，总会想到以前的一些经历，一点点在眼前闪现。按下快门的那一瞬间越来越沉重了...... 第一次写这片文章是在线写的，贴到了迪派网，后来被《人民摄影报》刊登，最近墨与王发现了这篇文章后，贴到了色影无忌...... ―――――――――― 从传统走向数码 ―――――――――― Lei GAO 献给我的老师：Georges Fevre,，Elene Vedrenne，Jean Vasseur和Pascale Maigre ―――――――――――― 第一次触摸摄影术是在法国东部的勃根涅，1826年涅普斯（Nicephore Niépce）在他的阁楼拍摄了鸽笼和谷仓。这张模糊的影像就是世界上第一张用化学成像并保留下来的照片。我站在阁楼的窗口，看着如同近两个世纪前一般的景象，心里很清楚：我要学习用银盐、光和思维来表达一个观点。黑白摄影永远像看不透的影调一样，是个谜。一幅剥离了纷杂，只有灰度变化的图像，居然是读不懂但可以共鸣的世界。我带着对上帝一样虔诚的心情遇到了我的老师Georges Fevre，他名声不大，但在他印出的黑白照片上你可以看到摄影师的签名：Cartier-Bresson, Salgado, Brassaï……听到Goerges说的最多的一句话是：你还能做得更好。要他满意绝对困难，当他在3秒钟内指出你精心印制的“完美无瑕”的照片某个地方有问题时，你总会惊讶地问：我怎么没发现呢？一起工作一年后，我发现一般做一张满意的照片，需要印制20张左右。“我最需要的是一个巨大的垃圾桶。”我不止一次地向他抱怨。什么是最好用的黑白胶片？这样的问题没有实际意义。发现不同的胶片的表现力与要表达什么，怎么表达之间的亲和关系才最重要。我很喜欢两种黑白胶片：Kodak Tri-x 400/320和Ilford Delta 100。我遇到的摄影师似乎大多数热衷于这两种胶片。Tri-x给你在曝光，显影和印相过程中最大的自由度。即使曝光过度/不足三级，通过显影时的调整，也能获取满意的图像，同时给你意外的惊喜。“天哪，他的皮肤是金属感的！”你经常可以听到你的朋友发出的惊叹，这就是Tri-x带给你的一个礼物。Ilford Delta 100是梦幻制造工具，看看相片上高光部分的银粉感，似乎用湿湿的手指可以把它们粘下来一样。这两种胶片我一直用D-76显影，只在显影液浓度和时间上做调整，效果非常好。用精一种东西比四下张顾要好。一位严肃的摄影师在按下快门以前必须要考虑的是：要表达什么？以此决定形式和内容的关系，以及后期选择不同光源的放大机、显影方式、相纸种类、保存方式等等。越来越多的人认同，黑白摄影30%在按下快门的瞬间，70%在后期的暗房。在暗房里会有一种强烈的自由感，你感觉到你正在把按下快门时的冲动推向极点。Georges开玩笑地说过：“没有废片，只有不称职的摄影师。”在一次我把一张要丢弃的底片上的云放在建筑的背景时，我再一次想起了Georges的这段话。现在使用Photoshop可以轻易地制作不同的云彩，但当时我捍卫传统，一切是在暗房里做的。黑白暗房是另外一个世界，似乎影像从显影液里慢慢出现的时候，意味着你的创造已经大功告成了。实际上这种想法是错误的，还有更多的工作要做，难到谁会愿意放弃后面魔法般的创造机会？后面要做的事多少带有一些愉悦感，不需要在红光下费力地辨别徘徊了。很重要的一步是在此审视印出来的照片是否还有瑕疵。一个非常有效的方法是，将照片放到灯箱上让光透过纸基来判读和印证层次细节之类的要素。一些隐藏在阴影里的丰富层次会在这个时候跳出来，我第一次看到的时候不敢相信自己的眼睛。这个时候需要你来决定要保留或隐藏多少阴影里的细节，记住了在哪个部位需要多少浓度多长时间的消色（bleach）处理。也是在这个时候，用聚光式放大机（Condenser）印出来的相片，在放大镜下每个颗粒像水晶般地变化多端，对人的视觉带有蛮不讲理的攻击性。我总是期待意外的收获。令人讨厌的白点也是在这个阶段用细软笔修去的，我通常是在第二天心情很愉快的情况下来做这件事，并用锋利的刀片勾刻出轮廓分明的物体边缘，这在建筑摄影上尤其重要。最后，用45度的裁纸刀割出完美的90度接角，就可以把相片装起来，挂在墙上，坐下，看着想一个问题：“我在按快门的时候是否需要考虑更多？” 法国人Elene Vedrenne个子小巧，言谈中会表现出丰富的肢体语言和面部表情。她给我的第一印象是个小男生，短发。与她同时出现的总是巨型的三角架和大幅相机，她是个成功的摄影师。今天看她1999年拍摄的4×5正片时一定会联想到Photoshop的许多功能，每一张正片的背后都隐含着技术和艰辛的份量。她是个传统技术的捍卫者，并不断地在数码领域以外创造不同凡响的视觉效果，直到最近，Elene突然对我说：Johnnie, Digital photography is probably quite something（Johnnie，也许数码摄影真的很棒）。我很清楚这句话对她的意义，这意味着她向与之共事多年的印刷商宣战了。生活经常跟我们开玩笑，在摄影术发明地和高端数码技术的集结地欧洲，拒绝数码的势力依然很强大，他们来自博物馆，收藏家，商业印刷商和一些画廊。我第一次与数码擦肩而过的经历是与Pascale Maigre 的一次不友好的谈话：我：我是否可以不来上您的课？因为我无法忍受Canon D30给我带来的游戏感。 Pascale：我知道它剥夺了你后期暗房的乐趣，但数码给你立刻改正错误的机会，是个很好的练习工具。你应该来上课。我：在影棚里我不会犯错，有宝丽来作参考，不会任意按快门的，很抱歉我不能接受您的劝导。 Pascale：你是在排斥一种新的纪录方式，数码与发挥你的想象力之间没有矛盾，相反具有另外一种形式的再创造，更加自由，你还是应该来上课。我：您是在给摄影下新的定义吗？您说的数码再创造这与摄影纪录真实是相矛盾的，数码的创造力是对崇尚真实的道德标准的蔑视。我不能接受您的说法。 Pascal：你说的问题已经超越了我们谈话的范围，你可以去跟Jean Vasseur谈，我同意你用自己的方法去纪录真实，你是否愿意尝试用数码的方式来记录时装呢？很凑巧，没过几天我到Porte de Versailles国际内衣展拍摄 Barbara公司的内衣，我可能是全场唯一使用黑白胶片的。事后，Barbara主管广告的Corinne找到我，那次的谈话让我走向了数码。 Corinne：“Johnnie，这款新内衣的颜色你能说出名称来吗？” 我：“我不能精确表达我闻到的味道，颜色也一样。” Corinne：“所有的摄影师都试过了，他们都很棒，但是他们照片上的颜色总是跟实物不一样，你能试试吗？” 我看到的是一种无法形容的浅绿色，介于浅绿与湖蓝之间的颜色，随着光线角度的变化曾现不同的色彩深度。我立刻意识到问题的复杂性。我：“我试试，需要时间，但样片要在恒定色温的环境中看。” 接下来的一个月恶梦不断，巴黎最专业的冲印店Janjac的技术人员差点被我逼疯，我觉得。我要做的第一件事是：确定使用何种胶卷与采用何种照明方法来准确表现色彩，同时要让负责后期输出的冲印店非常清楚地知道我需要什么。摄影师可以把每一种专业胶片的技术数据烂熟于胸，但在每次拍摄前还必须对胶片作出选择。先要理解专业胶片批号的概念。同厂牌，同片速，同型号的专业胶片无可避免地在生产的时候要遇到生产线调整的问题，更换涂布药液的过程，使非同批胶片的感光药膜产生细微的差异；这种差异在经冲洗，印相工序后会被放大，这是不能接受的。专业冲印店会提供同一批号的胶卷，这似乎可以帮助你避免由于批号不同而导致的样片与成品间的差异，但事情不是那么简单。显影过程中时间，温度，显影液浓度，搅拌次数等任何一项差异会使一切前功尽弃。如果说冲洗设备已经先进到100% 保证显影条件绝对标准的话，那么在印相过程中100%绝对标准是根本做不到的（如果拍摄的是彩色负片的话）。首先需要极力做到的是完美的曝光，尽量避免在后期彩色放大时的遮挡（dodge）和加光（burn in），因为这两种在黑白暗房屡试不爽的手段，在彩色暗房会带来灾难性的后果----色偏。选择了胶片以后需要对胶片的感光速度和色感性进行测试。每种胶片（除红外胶片）标定的感光速度只能参考。必须测试出该胶卷在你布置的灯光条件下的表现，一般采用1/3级的包围曝光，跨越测光表读数的+/-2级，同时测试每种滤镜组合的效果。从135毫米到大幅用不同的采样方法。这些样片每张都必须详细纪录与拍摄条件相关的数据，并在工作日的相同时间交冲印店显影。在此之前，我非常清楚地知道Jinjac冲印店每天换药液的时间，并得到他们的保证，我的样片一定是在每天第200个或220个送入吊挂机的，同时Jiniac的工作人员会填写好我预先准备好的显影条件纪录表格。在保持摄影棚灯光位置不变的条件下，这样的测试用了一个星期，没有找出满意的颜色效果来。我停下这项工作，开始思考原因：灯光，胶片，测试方案，显影时间，搅拌次数，温度等都没有问题，唯一就是显影液的浓度可能会导致无法产生满意的效果。在与Jinjac商量多次没能让他们接受我要求改变显影液浓度的情况下，我决定从头开始，选择了只有6道工序的Tetenal的E-6配方手工冲洗并调节浓度。第二个星期是在陪伴Jobo（冲印机品牌）的日子了里渡过的，我终于制造出了一张满意的样片！在交给Corinne审核的时候，她很高兴：你是怎么做到的？她一直在嘟囔着。接着就是同样颜色的不同款色的内衣交到了我手上…… 兴高采烈地回到摄影棚，半个月的辛苦没有白费，详细的测试纪录使我很快地进入严谨的拍摄和后期程序。拍摄完整套胶片并手工冲洗出来后，我目瞪口呆：几乎没有两张是完全一样的颜色表现！再拍摄，冲洗……不一样！再拍摄，冲洗……还是不一样！！我不得不打电话给Corinne：“可能有点问题，如果有更多的时间我会解决的。”我在说这话的时候其实并不知道自己在说什么。在绝望之中，我找到Jean Vasseur。与他交谈总会发生一些臆想不到的事，他是我遇到的最不像老师的老师。在开学的头一天，校长指着站在角落阴影里的相貌慈善的中年男人简单地说了一句：Jean，他是本字典。唯一的一次，Jean给我们上色彩理论，开头的两句话我至今还记得：“色彩学很简单，简单到让你们睡着。”居然在讲课进行到第二小时的时候，睡倒了一大片。我：Jean，想向您请教…… Jean仔细地擦着烟斗，笑眯眯地看着我：我知道你会来，其实只要5分钟就能说服你，Pascale谈起过你拒绝数码的事，现在我想我不需要再说什么了。我：难道只有用数码才能解决我的问题吗？ Jean：当然不是，不过以今天的科技而言，只有数码才有解决你的问题的可能性。数码也有数码解决不了的问题，但它毕竟比银盐更便利，更直观也更精确，我是指复制颜色。我把产品递了过去：我就是想要请教如何用数码的方式准确表现颜色。 Jean非常兴奋地说：我可以告诉你如何做，甚至跟你一起做，如果你想了解为什么要这么做的话，这很简单…… 我非常严肃地回答：我能坚持三个小时不睡倒。 Jean 开心地笑了。使用数码是从一张GretagMacbeth色卡开始的，通过ProfileMaker Pro软件轻易地建立了从影棚环境光、数码相机、Mac电脑到Pictrography4000打印机的色彩管理标准。Adobe RGB(1998)的彩色模式涵盖了所要表现的产品颜色，屏幕效果让人振奋，但在打印输出前，photoshop的gamut warning指出Pictrography4000的CMYK模式无法准确在纸上输出我们想要的“绿色”，最终Jean还是巧妙地利用人眼分辨能力的局限，找到了解决的办法。就这么简单。Jinjac是巴黎唯一一家自己配制打印墨水的冲印店，在对多种不同材质的纸张作出选择以后，Jinjac向我们证明了他们卓越的输出能力。我们在纸上的输出结果，几乎与原物颜色没有什么区别，同时也做了在传统正片上的输出以适应顽固的商业印刷商。这些工作仅用了一天的时间！这次尝试，让我开始接触色彩学，ICC Profile，Photoshop和与之相关的数码器材，以及涉及到应用方面的IPTC规范等。这些与我概念中的摄影术大相径庭。与Jean在一起的一个星期使我改变了对摄影术约定成俗的看法，这种改变不仅表现在对全新的后期制作方式的接受，同时也影响了我在按下快门前的思维。我从此不会再为了等到所有元素到位而放弃转瞬即逝的云彩了。耳边又一次回响起Elene 的话：Johnnie，也许数码摄影真的很棒。数码技术为Fine Art提供了前所未有的创作空间，至少思维的表达突破了技术的限制，我接受了这种新的创作方式。后记：数码黑白目前不能超越传统黑白的原因在于输出。数码影像可以模拟包括Polaroid的Emulsion Lift表现手段，但无法达到最终表面的立体感表现。相当长的一段时间内，数码摄影与传统摄影会并存。作者后记：很多人对数码的抗拒态度是来自对一个新的系统的不熟悉以及对老的系统的眷恋。这些人包括我接触到的Epson公司的技术人员，他们居然与我当初一样对数码持怀疑态度。一些事物需要印证才能很快被接受。而这种印证通过网络是无法完全具有说服力的。只有当场做，你当场做，输出后不相信自己竟然能这么快地达到极高品质。惊讶之余再开始研习数码。我不反对传统暗房，但在用传统暗房无法保证质量的时候（比如对某些颜色的极端要求），我会不加考虑地采用数码。今天的数码高端技术已经超越了135甚至120的质量。在控制某些环节上超越了大幅（比如色彩）。我尊重硬骨头（哪怕是Rocks滚在粪堆里我也一样尊重）。我认为看待一幅作品需要首先校正自己的视角。对于追求极端工艺美感的作品，我不会去评价它的社会意义或者能给失学儿童带来什么好处，只会注重它的影调和画面质量。对于人文纪录的作品，我不会去评价它是否包含了几个区或者反差是否还可以调整一下，只会注重摄影者的观察角度以及作品本身的可传递性。对于发泄自身情感的作品，我不会把它当作一个摄影作品来评价，只会透过作品去揣摩作者是否“精神失常”而在Brain Masturbating。可惜的是网络评论家和批评家们总是采用指鹿为马的方式来维护他们言论的一贯准确性。技术性很强的图片是有其市场价值的，毕竟有人需要把自家生产的座便器美轮美奂地放大到2层楼那么高。我觉得还是按图片的分类尽量采用不同的标准来衡量它们，如果我们能找到这个标准的话。我做过一些恶作剧：我的一些数码的图片没有被传统捍卫者发觉，而当他们严肃指出“这一定是Photoshop做出来的”的时候，我已经准备了扫描的原始底片送到他眼前。不就是为了让他们说话时嗓门小一点嘛。化学药水的味道很好闻，其实鼠标的触感也不错（只要不是埃塞俄比亚生产的就行）。 Post by GAO @ 01:15